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LE CORPS DE L’ARTISTE PARTIE 3 – LE CORPS DÉPASSÉ, LE CORPS RITUALISÉ

Attention, durant toute la série « Le corps de l’artiste », il est recommandé aux âmes sensibles de s’abstenir d’une telle lecture. A noter que les images resteront visibles tout de même.

Auparavant, nous avons étudié les corps des artistes en tant qu’instruments de l’art, c’était le corps qui peint. Puis, nous avons remarqué que les corps des artistes pouvaient ensuite être plus que cela, ils étaient capables de plus que de simplement peindre, c’était le corps qui fait, qui agit. Aujourd’hui nous verrons que certains artistes poussent leur corps dans des situations plus transgressives.

Ce nouveau type d’actions sur le corps de l’artiste a commencé réellement dans les années 60, lorsque les artistes se sont mis à sortir des galeries. C’est à cette époque que l’idée que l’art pouvait véritablement transformer la société si on lui en donnait l’occasion a démarré tout doucement son chemin dans des actions de plus en plus concrètes, commises par des artistes de plus en plus transgressifs. Dès le départ, on doit au groupe des actionnistes viennois d’avoir voulu renverser les tabous les plus évidents (nudité, mort, sexe, etc.). Le public est facilement choqué devant certaines performances, et c’est normal, c’est précisément l’objectif. En réalité, la réaction du public face à ces performances est justement ce que recherchent les artistes. Il faut que le corps serve ici pour mettre à l’épreuve non seulement l’artiste lui-même, mais aussi ceux qui vont voir (ou vivre?) l’œuvre.

© Engin Akyurt

La façon dont les artistes se mettent en scène dans ce genre d’œuvres (car il ne s’agit pas toujours nécessairement de performances) a pour but de secouer le spectateur, mais aussi de le faire sortir de ce simple rôle de spectateur justement. La liberté, voilà le mot d’ordre de ces artistes très particuliers. La liberté véritable ne s’atteint qu’avec le piétinement des tabous sociétaux. On ne néglige rien, et tout devient alors susceptible de faire art dans cette recherche : le sexe, les humeurs corporelles, la nourriture, etc. Ces œuvres glissent alors doucement vers une définition un peu plus floue de l’art. Ici, le corps de l’artiste ne fait pas simplement œuvre créative, il fait partie d’un rituel destiné à « initier » le public.

Dans cet objectif de rituel, de passage d’épreuve, d’initiation, les artistes ne cachent pas leurs multiples sources d’inspirations. Les œuvres empruntent souvent à de véritables rites religieux, quand ils ne les imitent pas tout à fait dans une pantomime parfois poussant jusqu’au grotesque. On retrouve ainsi de nombreuses crucifixions de tous types : de la Première Action de Nitsch qui le voit aspergé de sang tandis que vêtu d’une robe blanche il est attaché à des anneaux dans le mur bras écartés ; à sa 80e action où il incite explicitement au blasphème et à la profanation avec forces orgies, éviscération d’animaux, sang et entrailles ; ou encore à des parodies de messe avec la très célèbre Messe pour un corps de Michel Journiac durant laquelle il distribue des « osties » de son propre sang. Mais les artistes s’inspirent aussi largement de cultes des sociétés traditionnelles ou anciennes, qu’ils interprètent (ou réinterprètent) à leur manière (c’est le cas d’Ana Mendieta avec Death of a chicken, où elle s’inspire d’un rituel de purification cubain durant lequel on sacrifie un poulet, mais auquel elle donne une toute autre dimension dans son oeuvre).

© Maan Limburg

Dans cette vision le corps de l’artiste peut occuper plusieurs rôles, mais ils sont toujours transgressifs et surtout, toujours ritualisés. Le corps devient le centre du rituel, qu’il y soit en tant que maître d’œuvre (c’est le corps de l’artiste chamane), ou en tant que « victime » (c’est le corps de l’artiste sacrifié). Dans tous les cas, il ne faut pas craindre d’être confronté à la nudité, le sang (qui est une forme de nudité intérieure), la mort, et autres tabous dans le même genre. La plupart du temps, les artistes profitent même de l’occasion pour cumuler les tabous dans un déluge de références, parfois explicites, parfois plus subtiles, pourvu que le résultat choque, interpelle, bouscule, voir transforme totalement le public, et de cette manière, la société toute entière.


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Qu’est-ce qu’un « gift » ?

Ah Noël et son incroyable déluge de cadeaux sous le sapin ! Pourtant, même si, à l’origine, cette fête n’a pas beaucoup de rapport avec les possessions matérielles, elle en est devenue emblématique. C’est l’occasion aujourd’hui de revenir sur la notion de ce qu’est véritablement un cadeau et ce que cela représente profondément.

On parle en général d’un cadeau lorsqu’il s’agit d’un don désintéressé d’une personne à une autre de « quelque chose ». Il peut s’agit d’un objet (les fameux jouets d’enfants), d’argent (de plus en plus prisé ces temps derniers il semblerait), ou encore d’une carte promettant un service ou un cadeau non matériel (comme un dîner ou un voyage). Ce type de cadeaux est souvent emballé avec soin, dans du papier jetable, du papier journal ou du papier kraft, ou même dans de jolis emballages en tissus décorés que l’on peut réutiliser à loisir. Mais il arrive aussi qu’ils ne soient pas emballés du tout.

Aujourd’hui, les occasions de s’offrir des cadeaux sont nombreuses, mais il n’en reste pas moins que l’on préfère attendre une occasion pour faire ce genre de don. Les moments privilégiés sont les anniversaires, les mariages, la Saint-Valentin, la fête des mères, Noël bien entendu, etc.

© Nina Mercado

Les festivals qui font l’objet de mon étude, en particulier le Burning Man, font une grande place à ce qu’ils appellent le « gift », que l’on peut traduire à la fois comme cadeau et comme don. Dans cette forme de sous-culture particulière, le gift peut donc être un service rendu, comme la réparation d’un vélo, un câlin, un verre de boisson alcoolisée, un foulard pour s’abriter des tempêtes de sable, ou encore une œuvre d’art.

Le cadeau est une forme très spéciale de don. Elle symbolise une attention, une forme d’affection à quelqu’un (qu’elle soit réelle ou simulée). Certaines études de psychologie tendraient à faire penser que offrir un cadeau serait plus gratifiant pour le cerveau que de le recevoir. Cela rejoindrait certaines coutumes et pratiques primitives dans lesquelles les receveurs sont en quelque sorte les obligés de ceux qui leur ont fait un don. Dans ce cas, on est content de donner, parfois même jusqu’au sacrifice. Un processus qui rappelle celui de la folie acheteuse des fêtes de fin d’année qui laisse penser que plus on dépense d’argent pour offrir des cadeaux (le sacrifice), plus on a réussi ses fêtes. Par ailleurs, cet échange de cadeaux géant qu’est Noël, s’accompagne également de grands repas festifs, ainsi que d’un déluge de rituels très spécifiques (l’achat et la décoration du sapin, la décoration de la maison, l’allumage des lumières, etc.).

La tentation est grande de faire le parallèle alors entre les fêtes de fin d’année et les fêtes des tribus des premières nations d’Amérique qui pratiquaient le potlatch. Cette coutume consiste à distribuer de plus en plus de cadeaux, de plus en plus somptueux, chaque partie tentant de faire des cadeaux à l’autre plus grandioses à chaque fois que c’est son tour. De fait, cela rappelle les familles qui reçoivent à tour de rôle année après année, chaque fois en essayant de montrer que « son Noël » est le plus chaleureux, avec le meilleur repas, les plus belles décorations, etc. Dans une moindre mesure, on retrouve aussi cet esprit de compétition dans les concours de décoration de Noël, où des voisins rivalisent d’ingéniosité et d’extravagance jusqu’à rendre leurs maisons totalement invisibles sous les montagnes de lumières. Cela, c’est l’esprit potlatch dans sa plus pure expression. On dépense sans compter, pour offrir les plus belles lumières, pour impressionner celui qui en profite, pour s’en glorifier presque. Il y a une joie à avoir la maison la plus décorée pour Noël dans certains quartiers, il y a une joie à avoir été celui qui a offert le cadeau le plus cher ou le plus extraordinaire dans la plupart des maisonnées, comme il y a une joie chez les chefs de ses tribus des premières nations, à être celui qui donne le plus, quitte à se retrouver ensuite ruiné, sans plus rien du tout, pas même une fourrure pour affronter l’hiver.

© Lina Trochez

Le stade final du potlatch est le plus fascinant, il n’est pas systématique, en général, l’un des deux rivaux finit par s’avouer vaincu bien avant cela. Mais il peut arriver que les échanges en surenchères ne suffisent pas. Le pratiquant du potlatch ultime, c’est celui qui réunit toutes ses possessions, en particulier les plus luxueuses, les plus belles, les plus précieuses, et qui donne une grande fête durant laquelle on chante, on danse, on mange et on boit bien, aux frais du commanditaire bien entendu. A la fin, toutes les richesses entassées sont détruites irrémédiablement, on donne des coups sur les plaques en métal ouvragées qui ont demandé des heures de travail, on jette par terre la vaisselle peinte à la main par les meilleurs artisans, on tord les parures et les bijoux en or, et parfois, mieux encore que tout cela, on brûle purement et simplement le tout dans un immense feu de joie autour duquel on danse.

La limite entre le sacrifice et le don est bien souvent floue. Entre ces deux limites il y a la possibilité que ce qui soit offert ne le soit que dans le but d’impressionner les receveurs (fussent-ils des dieux), ou simplement d’en ressentir une joie égoïste. Le « gift », ce n’est pas simplement l’acte de donner comme on le croit si souvent. Il y a quelque chose derrière cela, il y a toujours quelque chose. Quant à savoir de quoi il s’agit, c’est bien souvent difficile de le déterminer à moins de n’être l’une des deux parties. Et encore.

J’espère que vous profiterez de vos périodes de fêtes de fin d’années pour d’autres raisons que purement matérielles, à moins que ce ne soit ce que vous souhaitiez 😉


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Du vin, de la bière et des boissons sacrées

- Attention l'abus d'alcool est dangereux pour la santé -

S’il est difficile de déterminer exactement à quel moment l’être humain a commencé à faire fermenter des aliments pour obtenir des boissons alcoolisées, une chose est sûre, il n’a pas trop tarder à le faire dans son histoire. A ce jour, les archéologues pensent que dès le Paléolithique (qui commence il y a 3,3 millions d’années environ), les Hommes ont découvert le principe de fermentation alcoolique, mais qu’à ce stade, c’était plutôt accidentel. En revanche, au cours du Néolithique (qui démarre environ 11 000 à 12 000 ans avant notre ère selon les lieux), nos ancêtres avaient compris comment « créer » des boissons alcoolisées, et ils en consommaient très certainement.

Au départ, les premières boissons alcoolisées ne sont pas très fortes et ressemblent un peu à de la bière (s’il faut vraiment comparer avec ce que l’on connaît aujourd’hui). Et au tout début, il y a fort à parier que tout le monde n’en consommait pas. Les premiers usages soupçonnés en tant que boisson cérémonielle ont été retrouvés à Raqefet (Israël) dans une sépulture. On sait grâce aux auteurs antiques que des boissons alcoolisées, assimilées à la bière donc, étaient consommées en Mésopotamie pour des raisons religieuses ou en tout cas au moins sacrées. De là, les boissons alcoolisées sont entrées en Égypte, où elles ont été améliorées et développées. Plus tard, en Grèce, puis surtout à Rome, ce sera le vin qui sera associé de très près au culte, mais aussi à la fête, avec le dieu Bacchus (ou Dionysos). Dans ce cas, la boisson alcoolisée n’est plus cérémonielle, mais sa consommation revêt tout de même une forme de sacralité dans la mesure où elle permet de communier avec le dieu de la vigne et de la démesure (et aussi, on l’oublie trop souvent, de la fécondité ; on se demande bien pourquoi…).

© Pylyp Sukhenko

La boisson alcoolisée est l’accessoire sacré qui permet d’entrer en extase mystique, de se rapprocher des dieux. Pour les antiques, l’alcool, ou plus exactement le vin, est une « boisson de feu ». C’est la boisson qui permet de se rapprocher des dieux, de comprendre l’existence. Après tout, le vin est une boisson de vérité, non seulement on ne ment pas lorsqu’on en a consommé, mais pour eux, il permettrait même de découvrir LA vérité, celle que tout le monde cherche à connaître. Lorsque Dionysos devient romain, les bacchanales sont des festivités qui durent des jours où tout ou presque est permis, et la boisson alcoolisée coule naturellement à flots.

Cet usage sacré de la boisson alcoolisée sera d’ailleurs repris par les premiers chrétiens, qui adopteront le vin comme boisson triplement sacrée puisqu’elle est à leurs yeux (quand elle est consacrée) rien de moins que le sang du Christ. Ainsi, Dieu à proprement parler est dans le vin, littéralement. On passe du vin en tant que boisson des dieux (ce qu’est fondamentalement l’hydromel par exemple), au vin, boisson faite à partir de Dieu. Cette perspective inspirera plus tard les alchimistes qui verront dans le vin l’alliance des cinq éléments, mais aussi du feu (encore!) et de l’eau, la quête de sens alchimique se trouvant dans la quête de sens de celui qui recherche la vérité dans son verre. La quête de la vérité, du bien, du beau, de la renaissance à partir des mystères découverts, cela ressemble aussi beaucoup à la quête du Graal, encore une coupe, qui contient du sang cette fois. Mais finalement le sang du Christ et le vin, ne serait-ce pas du coup la même chose ? La Bible, dès l’Ancien Testament, fait l’éloge du vin, et le consacre. Le vin est amour dans le Cantique des Cantiques, il est réjouissance et fêtes dans les Juges, il est littéralement sacré dans Isaïe, et même sagesse et gloire dans l’Ecclésiastique. Dans le Nouveau Testament, boire le vin, c’est signer l’Alliance avec Dieu, s’unir à lui.

Pour les juifs, un sabbat ne s’ouvre jamais sans un kiddouch, une prière spéciale que l’on récite avec un verre de vin à la main. Et s’il est vrai que l’Islam interdit a priori la consommation d’alcool, il en reconnaît les vertus en l’appelant la « boisson pure » ou la « liqueur de source ». De fait, certains alcools ont dans l’histoire souvent été considérés comme des « médicaments » ou au moins comme des « remontants ». Hildegarde de Bingen, connue pour ses remèdes souvent étonnamment en accord avec la médecine moderne, prescrivait aux malades du cœur un verre de vin, dont il a ensuite été prouvé que les antioxydants qu’il contient permet en effet de lutter contre les maladies cardio-vasculaires en empêchant la formation de plaques athéromateuses. Depuis sa formulation officielle en 1605, la liqueur de chartreuse est réputée posséder des vertus de régulation du cholestérol, calmer les palpitations cardiaques, et apaiser l’insomnie. La liste des boissons alcoolisées employées pour leurs usages plus ou moins médicinaux pourrait être bien longue…

©  Kevin Hikari

Aujourd’hui, sous nos contrées, il est rare que l’on considère les boissons alcoolisées comme cérémonielles ou sacrées. Pourtant, sous la surface, on constate des comportements qui ressortent de temps à autre. Mais au-delà de ces rémanences dans le quotidien, c’est le partage, la distribution gratuite et la consommation importante de ces boissons dans un cadre non seulement festif, mais aussi créatif. Les festivals que constituent mon objet d’étude sont un réservoir apparemment sans fin d’exemples d’échanges ou de dons de boissons alcoolisées, souvent explicitement consommées à usage sacré au sens de communion avec plus grand que soi, avec le divin (fusse-t-il la nature, l’autre, intérieur, etc.) et avec une forme de créativité artistique qui se revendique de la recherche de la vérité. Quand on ajoute à cela l’importance du feu dans ces espaces-temps, la boucle est bouclée. Symbolisme ? Redécouverte d’un sens ou de vertus autrefois perdues ? Voilà bien des réflexions qu’il faut mener, un verre à la main.


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Art(s) et classification(s) – Partie 1

Qu’est-ce qui constitue l’Art et qu’est-ce qui n’en fait pas partie ? C’est une question très complexe et pour couper court immédiatement, disons clairement que je n’y répondrais pas (ou en tout cas pas aujourd’hui). Ce qui m’occupe en réalité c’est précisément comment à l’intérieur de ce qui constitue l’Art, les penseurs ont estimé qu’il était nécessaire de constituer des catégories. Ce sont ces mêmes catégories et leurs évolutions qui vont faire l’objet de cette réflexion.

Pour remonter aussi loin que mes modestes connaissances le permettent, il faut aller en Grèce Antique, où la notion d’ « art » en tant que tel n’existe pas. Pas vraiment. En fait, ils ont pourtant bien une forme de classification des arts puisque, sous le terme « techné », ils englobent un certain nombre d’éléments que l’on qualifie volontiers d’art aujourd’hui (et d’autres moins!). Chaque techné est gouverné par une muse qui lui est propre et que les spécialistes de ces activités n’hésitent pas à nommer lorsque le besoin se fait sentir. D’abord, il y a les muses de ce que l’on appelle encore art aujourd’hui : Calliope la muse de la poésie épique, Erato celle de la poésie lyrique, Euterpe qui s’occupe de la musique, Melpomène pour la tragédie, Polymnie pour la rhétorique et les chants religieux, Terpischore pour la danse, et Thalie pour la comédie. Et puis il y a les techné qui sortent du champ de ce que l’on appelle « art » de nos jours (bien qu’évidemment la notion soit discutable encore une fois, mais nous ne la discuterons pas ici) : Clio la muse de l’histoire, et Uranie la muse de l’astronomie et de la géométrie. On ne trouve nulle trace de l’architecture par exemple, qui ne retient pas tellement leur intérêt.

Au Moyen-âge, ce que l’on nomme art et ce que l’on nomme science aujourd’hui n’était encore pas tout à fait distincts. Globalement on peut dire que les activités de type « art » étaient rassemblées dans trois grandes catégories. La première, celle des arts de l’esprit, contenait deux sous-catégories : le trivium, c’est à dire les arts de la grammaire et de la rhétorique par exemple, et d’autre part le quadrivium, c’est à dire l’astronomie et la géométrie par exemple, mais aussi la musique. La deuxième catégorie rassemblait les arts « mécaniques ». On y rangeait ce que l’on nomme aujourd’hui les Beaux-Arts (la peinture, l’architecture, la sculpture, etc.), mais aussi tout ce que l’on pourrait appeler l’artisanat : l’orfèvrerie, la mercerie, la ferronnerie, etc. La dernière catégorie, les « nobles arts », quant à elle rassemblait des activités propres aux nobles tels que le maniement des armes, les échecs, la danse, la chasse, etc. Il faut noter qu’à l’époque plusieurs classifications différentes se croisent et se recoupent les unes les autres. A titre d’illustration Hugues de Saint-Victor, théologien et philosophe du 12e siècle, parlait quant à lui des « Sept Sciences Mécaniques » : le filage, l’architecture, la navigation, l’agriculture, la chasse, la médecine et le théâtre. On peut donc y trouver ce qui constitue des « arts » à proprement parler selon notre définition contemporaine. A la Renaissance, on désignera ensuite sous le terme « art » les gestes nécessaires pour maîtriser une technique ou un métier. C’est aussi à ce moment là qu’apparaît l’expression bien connue « arte del disegno » qui englobe à la fois les arts de volume et de surface.

© Pavel Nekoranec

Certains philosophes se sont ensuite proposés pour donner d’autres classifications de l’art qui leur sont propres. Pour ne citer que les deux plus connus on parlera de Kant – qui distingue (pour le dire grossièrement) les arts de l’image « bildenden künste », les arts de la parole « redenden künste » et les arts des sensations « künste des schönen spiels der empfindungen » – , et de Hegel – qui divise les arts en architecture, sculpture, peinture, musique et poésie, considérant que les autres arts ne sont pas aussi importants.

Dans notre siècle, on s’accorde sur le principe pour une dizaine d’arts. Le 1er serait l’architecture. Le 2e la sculpture. Le 3e les arts visuels. Le 4e la musique. Le 5e la littérature. Le 6e les arts de la scène. Le 7e le cinéma. Le 8e les arts médiatiques. Le 9e la bande dessinée. Et le 10e seraient les jeux vidéos et le multimédia. Mais quid alors des arts de la table ? De la parfumerie ? De l’art floral et paysager ? Dans quelle catégorie situer une performance lorsqu’elle relève à la fois de la musique, de la peinture et du théâtre ? Et si elle cette performance est filmée, à quel art appartient le résultat ?

Au cours de mes recherches, chaque pas en avant me fait découvrir une nouvelle forme d’art qui en apparence ne rentre dans aucune des catégories que j’ai citées plus haut, ni les anciennes ni les nouvelles. Où ranger les costumes extraordinaires des participants à certains festivals, et qui pourtant n’ont aucune vocation à être un accessoire dans une mise en scène artistique ? Où classer les véhicules modifiés à l’occasion de ces mêmes festivals, de la voiture locomotive qui crache du feu au vélo à remorque façon steampunk qui peut transporter jusqu’à une vingtaine de personnes ? Certains arts sont à la frontière entre plusieurs catégories, d’autres ne correspondent à rien de ce que l’on connaît aujourd’hui. Peut-être serait-il temps d’élaborer de nouvelles catégories de l’art ?


Merci et à bientôt !

S’organiser en tant que doctorant – partie 2

En tant que doctorant, que l’on soit contractuel ou non, le temps est une des ressources les plus précieuses dont nous disposons. Et soyons francs, en tant qu’être humain, c’est vrai aussi. Si je suis parfaitement honnête, le temps est bien la chose que je redoute le plus. Comment tout caser en un temps forcément limité ? Comment tout accomplir, tout lire, tout écrire, lorsque le temps ne ralentis pas ? De fait, le doctorant doit forcément se soucier du temps, après tout, en principe, il n’a que trois ans.

Sans prétention, voici les quelques petites astuces qui m’ont rendu bien des services, en espérant qu’ils vous soient utiles également. Et comme votre temps est précieux, je vais faire vite et aller à l’essentiel.

© Lukas Blazek

Pour commencer, évidemment, l’incontournable liste de choses à faire. Elle aide évidemment à vider son esprit de toutes les tâches, mais seulement si elle est parfaitement exhaustive. Elle peut prendre plusieurs formes : une liste toute simple ou encore mouvante en « à faire », « en cours », ou « fait ». Selon moi, et c’est tout personnel, elle gagne à être le plus simple et sobre possible. En revanche, je me refuse à faire des listes quotidiennes. Il me paraît toujours plus pertinent d’avoir deux grandes listes : une avec tout ce qu’il y a à faire pour le mois (personnel, professionnel et scolaire inclus), cela permet de ne pas perdre de vue les tâches qui reviennent tous les mois ; et une plus grande, plus durable, qui porte tout ce qui n’est pas spécialement urgent, mais qui mérite qu’on s’y attarde, ou les projets plus longs.

D’ailleurs, en parlant de ce qui est urgent et de ce qui ne l’est pas. Il existe une autre technique bien connue, qui consiste à diviser en 4 catégories les choses que l’on a à faire. « Important et urgent », « urgent, mais pas important », « important mais pas urgent » et enfin « pas important et pas urgent ». On appelle cette méthode la matrice de Eisenhower (elle aurait été élaborée par Dwight David Eisenhower). Mais en ce qui me concerne, comme je l’ai intégrée à mes deux listes de choses à faire par nature, ce travail ne se fait que de tête et n’a pas besoin d’être écrit.

Pour ce qui est de se mettre au travail et de réellement éliminer des tâches, il existe plusieurs méthodes. Celle qui est selon moi la plus utile est la méthode Pomodoro mais avec quelques ajustements. Cette méthode consiste basiquement à activer un chronomètre de 25 minutes durant lesquelles on se concentre pleinement à la tâche. Ensuite on s’accorde une pause de 5 minutes, puis on peut faire au bout de 4 sessions de 25 minutes, une pause plus longue de 15 minutes. Il apparaît que 25 minutes, c’est peu ou prou le temps que je mets à me concentrer sur une tâche. Cela me rend donc très difficile de profiter de mes 5 minutes de pause, sachant que je suis encore disons « d’humeur à travailler ». J’ai donc adapté cette méthode à mes besoins de la façon suivante : je travaille pendant un laps de temps non déterminé à l’avance, mais je bloque quoi qu’il arrive un chronomètre à environ 1h30 ou 1h45 au cas où. Ensuite, option A : je travaille sans fatigue ni lassitude pendant cette heure et demi et je fini par prendre une pause à la fin lorsque le chronomètre sonne et que j’ai donc accompli beaucoup de choses, ou option B : vers 45 minutes par exemple, je ressens une certaine lassitude, je ne suis pas inspirée, etc. et donc je prend ma pause à ce moment là. Pour cela, il faut que mes pauses soient optimales. Une pause de moins de 15 minutes n’a pas un impact suffisant pour que je me sente reposée. Pour optimiser ma pause, je m’accorde un temps de détente réel : je vais me faire un thé que je vais boire tranquillement sur le balcon, je joue avec mon chat, je lis un chapitre de livre ou je regarde un épisode de série. L’expérience m’a appris que pour être de nouveau productive, il me faut un véritable décrochage avant de m’y remettre. A la fin, je reprend plus apaisée.

© Monica Sauro

L’auteur Brian Tracy, dans son livre « Eat that frog ! » recommande de faire la tâche la plus difficile de la journée le matin en tout premier. Dans leur livre « Make Time », John Knapp et Jake Zeratsky recommandent entre autres choses, de choisir chaque jour une chose à faire qui est la priorité du jour et de se concentrer dessus. Si à la fin de la journée, cette chose est accomplie, même si ce n’est qu’une seule chose, alors la journée est considérée comme réussie. En tant que doctorant cela peut être : écrire une page de thèse, répondre à un appel à communication, etc. Combinez ces deux techniques et vos journées seront bien plus relaxantes, tout en étant plus productives. Même si vous n’accomplissez qu’une tâche par jour, à la fin de l’année, vous avez 365 tâches accomplies qui vous tiennent à cœur, et c’est cela qui compte.

Concernant la gestion du temps, il existe une multitude de façons d’organiser son emploi du temps en tant que tel. Par exemple, chaque jour, je ne me fait pas une liste de choses à faire, je me fais une « horloge », dessus, je sais que je dispose de 12h de travail. Je répartis ensuite ce que je veux faire dans ces heures. D’autres se contentent de tirets sur un post-it et c’est très bien aussi également. Ce que l’on ne doit pas oublier, c’est de garder du temps pour les choses qui n’ont pas l’air importantes, mais qui vont aider à progresser bien plus vite : les loisirs. N’ayez pas peur de vous imposer un temps de loisir par jour, avec quelque chose que vous aimez réellement faire et qui n’a pas de réel but autre que de vous faire passer un bon moment. Lire un roman, tester une nouvelle recette de cuisine, jouer.

Finalement, ce qu’il faut, c’est avant tout trouver votre propre méthode, quitte à bricoler la vôtre à partir d’idées ici et là. Mais surtout, profitez bien de votre temps !


Merci d’avoir lu cet article, j’espère qu’il aura pu vous aider, à bientôt !

Le corps de l’artiste Partie 2 – Le corps qui fait

Attention, durant toute la série « Le corps de l’artiste », il est recommandé aux âmes sensibles de s’abstenir d’une telle lecture. A noter que les images resteront visibles tout de même.

Nous avons vu le mois dernier que certains artistes ont choisi de donner dans leurs œuvres plus d’importance à l’action de peindre qu’à la peinture en tant que résultat. Ce qui compte, ce n’est donc plus la production à proprement parler, la création concrète, palpable, mais plutôt l’action de faire, l’action de créer, l’action donc. C’est ainsi que sont nés les premiers happenings, que l’on peut maladroitement traduire par « événement ».

L’œuvre devient l’action de l’artiste elle-même. Il n’est plus possible de garder une trace de ce qui a été créé autrement que par un autre médium, comme la photographie ou la vidéo par exemple. Ce que les artistes mettent en valeur à travers ce mouvement, c’est la performance, et donc le lien créé dans l’instant avec le spectateur, qu’il soit volontaire ou qu’il « subisse » l’œuvre.

© Warhol Co.

A partir de là, tout peut devenir œuvre, tout peut être Art. La vie quotidienne devient le sujet préféré de certains artistes. Encore aujourd’hui il est possible de trouver des photographies des performances de Dick Higgins et Alison Knowles, « Danger Music » durant lequel Alison rase le crâne de Dick de façon particulièrement consciencieuse. Il suffit aussi d’aller sur la célèbre plate-forme de vidéos en ligne pour revoir encore et encore Andy Warhol manger son cheeseburger avec un soin inégalable. Dans le même ordre d’idée, on peut également voir manger Bonnie Sherk qui s’est solidairement assise dans une cage réservée aux animaux pour manger un repas préparé dans un restaurant. Il existe également toute une série de photographies sur les performances de Mierle Laderman Ukeles qui s’applique à nettoyer les rues et le sol aux alentours et à l’intérieur de plusieurs musées. Ben Vautier quant à lui à choisi de « Rentrer dans l’eau tout habillé avec un parapluie » et d’en faire une œuvre (à plusieurs reprises d’ailleurs).

Mais le corps de l’artiste agit parfois d’une façon qui sort de l’ordinaire justement. C’est le cas des nombreuses tentatives de lévitation de Yves Klein, qui, après s’être blessé à plusieurs reprises, a décidé finalement avec la complicité d’un ami développeur de photographies, de produire des faux supposés le représenter en plein vol, ou entre la vie et la mort, selon les thématiques qu’ils ont décidé de mettre en avant. Ou encore des nombreuses photographies de Bruce Nauman qui le représente « en tant que fontaine », faisant jaillir de l’eau de sa bouche. Dans « Parallel Stress », Dennis Oppenheim s’est suspendu entre deux murs dans un équilibre précaire, écartés juste assez pour qu’il puisse s’y agripper tant bien que mal entre les deux (au moins pendant les quelques minutes qu’on duré la performance).

D’autres artistes ont choisi d’aller plus loin encore et d’inclure les spectateurs dans leurs œuvres. Le corps qui fait n’est plus tout à fait celui de l’artiste cette fois. Yoko Ono, dans « Cut Piece », qui a certainement par la suite dû inspirer Marina Abramovic, est simplement assise sur la scène, et c’est le spectateur qui a pour tâche de venir sur la scène et de découper ses vêtements. Le spectateur et l’artiste sont donc là dans une dualité où se joue la maîtrise de la situation et de ce qui se passe. Le spectateur est celui qui agit, face à un artiste soumis, mais qui reste pourtant celui par qui tout arrive. Giuseppe Penone quant à lui, avec « Rovesciare i propri occhi » durant lequel il porte des lentilles miroirs, renvoie le spectateur à sa propre image, à sa propre contemplation. Au spectateur ensuite d’établir ce qu’il en fait.

© Volker Gleaser

Avec le projet « Manifestation pour tous les sens » de Milan Knizak, l’artiste n’est que l’organisateur d’un genre de parc d’attraction dans lequel le spectateur n’a qu’à se promener pour vivre une expérience hors du commun. Olfactive car on les asperge presque de parfum, des musiciens jouent, et les organisateurs s’agglutinent ensuite autour des spectateurs pour hurler, crier, etc. Ici l’œuvre est devenue un lieu et une expérience à vivre par le spectateur qui « vis » l’œuvre. Plus récemment (dans les années 2010), le réalisateur russe Ilya Khrzhanovksy, pour son projet Dau, a construit un complexe architectural à la mode URSS des années 30/40 et a proposé à des centaines de personnes de venir y vivre, exactement comme l’auraient fait les habitants de l’URSS de cette époque. L’expérience-œuvre a duré deux ans et a été filmée avec soin par l’artiste, fier de sa création. Il a ensuite proposé à la visite les lieux en question. Mais pour cela il faut procéder comme en ex-URSS, avec demande de visa à l’appui et une visite qui dure au moins 6 heures (pouvant aller jusqu’à un accès illimité). L’œuvre tient ici plus de l’expérience vécue par le spectateur, qui n’est plus si passif…

Le corps de l’artiste se prolonge dans celui du spectateur.


Merci et à bientôt pour la prochaine partie de cette série !

Le corps de l’artiste, partie 1 – Le corps qui peint

Les artistes ont toujours aimé représenter des corps humains. Du temps des grottes jusqu’à aujourd’hui, il existe une infinité de représentations du corps de l’être humain. Ce motif, décliné sous toutes les variations possibles est un sujet intéressant. Cependant, aujourd’hui, nous allons plutôt nous pencher sur ce que l’artiste fait (ou ne fait pas) de son corps à lui.

Là encore, les déclinaisons paraissent extraordinairement nombreuses, surtout depuis que le XXe siècle a donné naissance à des facettes de l’art qui utilisent le corps de l’artiste d’une façon inattendue ou originale. Pour un sujet aussi vaste, il n’est pas raisonnable de prétendre à l’exhaustivité. On tentera tout de même de concentrer notre attention sur plusieurs facettes du corps de l’artiste dans l’art aujourd’hui. La première, pour une sobre introduction du sujet, sera celle du corps qui peint.

Attention, durant toute la série « Le corps de l’artiste », il est recommandé aux âmes sensibles de s’abstenir d’une telle lecture. A noter que les images resteront visibles tout de même.

Dès le milieu du XXe siècle, l’Art ne s’intéresse plus seulement à la toile peinte, au résultat. Critiques, penseurs et artistes redirigent leur attention vers l’acte de peindre lui-même. L’action, le fait de peindre, était devenu le sujet principal, ou au moins une part non négligeable de l’art lui-même. C’est ainsi que l’action painting a vu le jour.

© Mike Petrucci

Ce courant, d’abord surtout mené par des artistes masculins, s’est d’abord concentré sur l’action du peintre, puis le corps est devenu un outil qui permet de peindre, d’étaler la peinture, de faire acte dans l’activité peinture. Le corps de l’artiste devient tour à tour pinceau, brosse ou bien encore toile. Les artistes féminines se sont ensuite emparées de ce courant également et c’est tout l’Art qui s’en est trouvé modifié sans retour possible.

Tout le monde connaît bien sûr le génial Jackson Pollock, représentant presque à lui seul de tout le courant action painting, en témoigne les nombreuses vidéos de ses « performances » de peinture. Mais il faut également citer le brillant Georges Mathieu, qui alliait à sa peinture toute une gestuelle bien particulière. Ses peintures monumentales, souvent réalisées alors qu’il portait des costumes d’époque, étaient exécutées dans des scènes spectaculaires photographiées ou bien filmées, qui relevaient parfois plus du théâtre que de la peinture au sens traditionnel.

C’est ensuite aux japonais de s’emparer de ce mouvement où le corps de l’artiste est sollicité en tant qu’outil permettant la création artistique. Shozo Shimamoto réalisant ses peintures en jetant avec fougue ses pots de peinture directement sur la toile, ou encore Kazuo Shiraga se roulant dans la boue, l’acte de faire de l’art devient de plus en plus proche du corps de l’artiste, organique. De là il n’y a donc qu’un pas vers les anthropométries de Yves Klein. Ce dernier propose en effet des représentations où des femmes, nues, le corps enduit de peinture, sont devenues l’outil servant à appliquer la peinture sur la toile, que le peintre à présent, approche à peine. Ce que la brillante Niki de Saint-Phalle a bien compris avec ses œuvres peintes qui ne sont en réalité que des toiles avec des sacs de peinture, qu’elle éclate en tirant au fusil directement dessus, laissant ainsi couler la peinture, dans des explosions de couleurs dégoulinantes et cathartiques.

© Amauri Mejia

Mais d’autres choisissent au contraire ce prétexte pour se rapprocher de leur œuvre plus que jamais. L’artiste Marcel Duchamp, bien connu pour son esprit subversif, a été jusqu’à utiliser des éléments de son propre corps (poils, cheveux, …) ou ses sécrétions corporelles (sa semence en l’occurrence), pour constituer des tableaux où il mêlait ainsi manifestations de son propre corps et peinture, plexiglas etc. Des matériaux originaux qui se comprennent quand on sait que ces tableaux étaient destinés à son amante, l’artiste brésilienne Maria Martens. Il y a également ceux qui continuent, obstinément à tenir le pinceau, mais qui l’ont fait glissé de leurs mains… C’est le cas de Shigeko Kubota, qui, en signe de protestation contre l’action painting surtout pratiqué par les hommes et donc presque « éjaculatoire », utilisera son vagin pour tenir le pinceau dans ses œuvres.

Et puis il y a bien sûr un moment où la peinture disparaît tout à fait. Claes Oldenburg ou Carolee Schneemann ont donc choisi dans certaines de leurs œuvres de peindre avec des matières organiques non identifiées, ou même des déchets ou des ordures. Ana Mendieta elle, a choisi de peindre avec du sang. Andy Warhol explorera la question avec un procédé d’action painting qui impliquera sa propre urine.

Ainsi, le corps de l’artiste ne devient plus seulement un élément du « faire », il est ce qui doit être regardé, le centre de l’œuvre. Les exemples ne manquent certainement pas, et il ne s’agit là que de quelques cas, pris parmi des milliers, d’artistes qui ont choisi de voir leur corps, en tant qu’artistes, autrement.


Merci de vous être accrochés jusqu’au bout et à bientôt !

S’organiser en tant que doctorant – Partie 1

Il y a quelques temps, je me suis une fois de plus retrouvée dans une certaine panique. Heureusement, contrairement à ce qui m’était arrivée lorsque je n’étais pas encore organisée de façon optimale, cette fois j’ai pu m’en sortir et retrouver mon cap. Mais sans les nouvelles mesures que j’avais prises, jamais cela n’aurait été aussi facile ni aussi rapide.

Il faut dire que je ne me rend pas la vie très facile. Prenez l’année dernière par exemple. Je devais gérer mon doctorat (ce qui devrait déjà être un job à plein temps!), ainsi que deux master de recherche, cumuler les emplois pour mettre de la nourriture dans mes assiettes, et aussi bien sûr assurer sur ma vie personnelle (la famille, les amis, le bénévolat associatif, les projets épanouissants que l’on remets généralement toujours à plus tard, etc.) et le tout en plein covid. Et figurez vous que je m’en suis, à ma grande surprise, très bien sortie.

© Stil

Évidemment, la situation idéale de tout chercheur ressemble peu ou prou à un bureau calme et spacieux, avec à portée de main tous les livres dont on peut avoir besoin, une surface de travail durable, sur laquelle on peut reposer nos fiches de lecture et y revenir plus tard, laisser quelques revues intéressantes ouvertes à la bonne page, et un assortiment de stylos qui écrivent toujours bien et sans faire de tâches.
Mais la réalité est souvent bien différente.
Je vous livre donc ici quelques clefs qui, à mon humble avis, ont fonctionné pour moi et devraient peut-être vous aider à vous organiser, surtout si comme moi, vous êtes assez givré pour faire autant de choses à la fois.

Dans le monde physique

Pas de bureau ? Glissez votre ordinateur portable dans une caisse à couvercle quand vous ne vous en servez pas, avec agenda, stylo bic, quelques feuilles de brouillon, livre en cours. Vous n’aurez plus qu’à déplacer la caisse en question partout où cela vous sera possible. J’ai déjà expérimenté la table à manger, le lit, ou encore le canapé avec un certain succès. (Pour les sessions Zoom où vous devez montrer vos têtes, essayez tout de même l’endroit le plus stable possible, au pire, l’ordinateur posé sur une chaise et vous assis par terre contre un mur assez neutre, personne n’y fera attention).

Pas de bibliothèque à proximité ? Je ne vais pas vous mentir, cela va être difficile. Mais vous avez deux options possibles. Soit vous décidez de ne travailler qu’à partir de sources que vous pouvez trouver en ligne, mais cela suppose que votre connexion internet est en béton et que votre sujet puisse s’y prêter sans faire d’impasse. Soit, ce que je conseille, aller quand même à la bibliothèque, même si cela veut dire 3h de transports aller et 3h de transport retour, mais rentabilisez cette sortie. Choisissez la bibliothèque en question avec soin si plusieurs sont possibles, vérifiez le catalogue en amont avant de vous déplacer pour voir ce qui fait partie de votre bibliographie impérativement ou ce qui peut mériter le coup d’œil, consulter un maximum de livres sur place et emprunter le maximum de ce que vous pouvez, si possible consultez un plan avant pour pouvoir tout de suite vous diriger sans perdre de temps. Surtout, si vous pouvez n’y aller qu’une fois par mois (ou pire encore), n’y allez pas sans savoir ce dont vous avez besoin et préparez-vous au maximum.

Impossible de retrouver ce qu’on cherche parmi des livres pourtant achetés et entreposés à la maison ? Triez votre bibliothèque ! Séparez les livres qui vous servent clairement pour votre thèse de ceux qui sont pour votre divertissement personnel, séparez vos livres de ceux des autres personnes avec lesquelles vous vivez le cas échéant. Et si cela signifie que vous n’avez plus de meuble bibliothèque où ranger vos ouvrages, à la limite, cela ne fait rien. Il m’est arrivé de ranger des livres dans des tiroirs de commode, triés soigneusement et disposés pour qu’on puisse en voir la tranche. Si vos vêtements peuvent tenir ailleurs, faites-le c’est très agréable : tiroir du haut philosophie antique, troisième tiroir esthétique de l’art, tiroir du bas œuvres de références, etc. Sinon, n’hésitez pas à expérimenter des endroits farfelus pour vos livres. Retenez simplement que la cuisine ou la salle de bain ne sont évidemment pas de bonnes idées. Mais à part ça, vous pouvez faire à peu près tout ce que vous voulez, l’idée c’est de pouvoir voir toutes les tranches des livres facilement d’un seul coup d’œil, ne vous embêtez pas à essayer de rendre la chose présentable pour un visiteur impromptu.

Trop de papiers ? Ce problème est plutôt rare de nos jours, mais tenace chez certains. Vous vous souvenez de ma caisse ? Au fond, dans un endroit qui ne bouge quasiment pas, se trouve un jeu de pochettes qui me servent à stocker les papiers relatifs à ma thèse. Une pochette pour les cours, une pochette pour les fiches de lecture, une pochette pour les papiers volants du style « une idée lumineuse m’a traversée et je l’ai écrite sur une serviette de bar avec du rouge à lèvres ». Tout au fond, j’ai aussi rangé un porte-revue, dans lequel se trouve tout ce qu’il y a d’important. Dans mon école doctorale, on appelle ça un portfolio. Dedans, j’ai toutes les attestations de formations que j’ai menées à terme, les programmes de colloques, mes certificats de scolarité, ce genre de choses. Ne gardez pas de documents en papier pour votre thèse s’ils n’ont aucun rapport avec ce classement (en sciences humaines en tout cas), vous pourrez toujours vous procurer le reste en format numérique et vous gagnerez de la place (sauf bien sûr si votre sujet vous impose par nature de faire différemment).

© Tom Hermans

Dans le monde virtuel

Pas assez de stockage ? J’ai perdu tous mes documents ? De nos jours, impossible de faire l’impasse sur un matériel de stockage correct. Vous devez acheter au moins deux clefs USB, de taille identique, sur lesquelles vous sauvegardez tout votre fichier « Thèse » à chaque modification sans exception. L’idéal est d’en avoir trois, mais deux peuvent faire l’affaire, si vous les rangez à des endroits radicalement différents (toujours pas dans la cuisine ni la salle de bain…). Si vous pouvez, protégez leur accès par un mot de passe, le vol de données entre chercheurs n’est pas une légende, protégez votre travail, vous avez pris du temps pour le faire. Toutes les disciplines qui requièrent d’avoir autre chose que des fichiers texte ou des pdf, n’oubliez pas de prévoir un espace de stockage en conséquence, les photographies, les vidéos, ou encore les fichiers audio prennent de la place (sans parler de ceux qui mettent au point des simulations graphiques du tonnerre, mais je doute que ceux là aient besoin que je leur rappelle de double check leur stockage).

Problème d’organisation des documents numériques ? Créer un système. Votre cerveau a besoin de rester disponible pour la recherche (ou pour les innombrables autres tâches que vous vous êtes fixées), alors aidez-le. Même en étant très brouillon et d’un naturel dispersé, il est possible de faire des compromis. Créer un grand fichier « Thèse » et à l’intérieur plusieurs sous fichiers : vos fiches de lectures, vos livres numériques, votre avancée de rédaction, vos propositions pour des colloques ou des journées d’études, etc. Chaque élément doit être distinct. Et pensez à donner des titres faciles et courts, vous n’avez pas envie de vous prendre la tête pour retrouver ou ranger un document. Enfin, pour les ultimes flemmards (dont je fais partie rassurez-vous) pour qui il est impossible de trier tous les documents dès leur arrivée dans votre vie, prévoyez un fichier « à trier » et fixez un jour par semaine où vous pouvez prendre quelques minutes pour tout remettre à sa juste place.

Autres conseils importants :

Préoccupez-vous de votre hygiène de vie. Il est hors de question de rester assis sans bouger pendant 6h d’affilé sans vous lever pour vous dégourdir les jambes, de rater un repas sous prétexte que vous n’avez pas le temps ou encore de ne pas faire de sport de la semaine (sauf pour raisons médicales bien entendu). Organisez votre temps en blocs et oubliez les to-do list pour tout ce qui est hygiène de vie, vous ne le ferez pas dans la durée sinon.

Préoccupez-vous de votre vie sociale et affective. Avec le covid, ce n’est pas évident, j’en conviens. Mais tâchez de réserver une soirée par semaine (ou 3h si vraiment vous ne pouvez pas faire mieux) pour profiter de votre famille, vos amis ou votre moitié sans penser à autre chose (si les conditions sanitaires l’exigent, c’est moins bien, mais en webcam ça compte aussi). On a parfois peur de perdre du temps en faisant ça, mais au final, ce sont ces 3h là qui vont vous ressourcer et vous donner la forme pour tout le reste de la semaine.

Compartimentez ! Si comme moi vous êtes curieux par nature et multipliez les engagements, veillez à ce qu’ils n’interagissent pas les uns avec les autres. Aucun document qui n’est pas relatif à votre thèse ne doit se retrouver dans une pochette où vous n’avez que ça, et vos documents de thèse ne doivent en aucun cas se retrouver dans votre carnet de santé ou bien avec votre calendrier pour les maraudes du bénévolat ! Votre vie a plusieurs facettes et c’est très bien, elles peuvent parfois se mélanger sur le plan intellectuel, c’est ce qui en fait toute la richesse, mais ne les laissez pas s’entasser sans queue ni tête, vous serez vite perdu.

J’espère qu’un ou deux éléments qui ont pu m’aider pourront vous aider à votre tour. Dans une prochaine partie, nous discuterons avec plus de précisions de l’organisation en s’attaquant à un problème de taille : le temps. Plein de belles réussites à vous et accrochez vous !


Merci et à bientôt !

Métamorphose

Lavoisier nous dit que : « rien ne se crée, ni dans les opérations de l’art, ni dans celles de la nature, et l’on peut poser en principe que, dans toute opération, il y a une égale quantité de matière avant et après l’opération ; que la qualité et la quantité des principes est la même, et qu’il n’y a que des changements, des modifications ». On simplifie généralement cette loi sur la conservation par « Rien ne se perd, rien ne se crée, tout se transforme ». D’une certaine façon il me serait possible d’arrêter mon explication à cette simple citation, mais certains d’entre vous seraient peut-être un peu déçus.

Le mot métamorphose vient du grec méta, qui signifie après, et de morphé qui signifie forme. Ensemble ils donnent metamorphoun, transformer, et metamorphosis, transformation. Les romains adopteront ensuite ce terme en latin. Dans l’Antiquité, la métamorphose fait partie des événements les plus courants de la mythologie greco-romaine. Ovide, un célèbre poète latin, écrivit dans ses célèbres Métamorphoses, les histoires d’humains transformés en oiseaux ou en bêtes terrifiantes. Mais il leur arrivait aussi d’être changés en montagne ou en arbres, ou même en constellations d’étoiles. Dans cet ouvrage, la métamorphose est alternativement une punition des dieux ou une récompense de leur part.

Au Moyen-âge, les alchimistes cherchaient désespérément le secret de la transmutation du plomb en or, de la matière vile en matière précieuse. Pendant ce temps, on accusait des humains de se transformer en corbeaux ou en grenouilles et on les condamnait à mort pour cela. La métamorphose est donc toujours un événement mystérieux, mystique presque. Pourtant, on constatera rapidement que de nombreux animaux sont sujets à des changements de cette nature. Les insectes par exemple, comme le papillon dans sa chrysalide, voient leur forme changer radicalement. Pour cela néanmoins, ils doivent passer par un stade de dormance, de repos.

© Suzanne D. Williams

Mais les humains aussi recherchent le changement pour eux-mêmes, une façon de se métamorphoser. Dans les sociétés « primitives » par exemple, il y a toujours une volonté de se modifier, de se transformer. On porte des plumes dans les cheveux ou des peintures rituelles sur le visage. Dans certaines tribus (les Jivano) on considère même que les peintures corporelles sont plus représentatives de l’être d’une personne que la forme de ses traits. Son identité c’est donc la façon dont il a choisi de se métamorphoser. Ailleurs, chez les tribus qui se rendent à la chasse déguisées (=métamorphosé en animal), on craint que la métamorphose soit plus forte que la réalité. Cette tactique ne va alors pas sans crainte : après tout, qu’est-ce qui va être le plus fort, qu’est-ce qui va l’emporter, la différence des corps ou la similitude entre l’âme de l’humain et celle de l’animal ?

Descola nous dit : « La métamorphose n’est donc pas un dévoilement ou un déguisement, mais le stade culminant d’une relation où chacun, en modifiant la position d’observation que sa physicalité originelle lui impose, s’attache à coïncider avec la perspective sous laquelle il pense que l’autre s’envisage lui-même. »
L’humain qui se métamorphose, se déguise ou cherche donc à se transformer (y compris on pourrait le dire par des opérations chirurgicales de nos jours, ou des modifications telles que les tatouages ou les piercings, etc.) non pas pour lui-même, mais par rapport aux autres. Il se métamorphose pour se rapprocher des autres, ou pour s’en distinguer. Il est en tout cas toujours dans une relation. Une métamorphose n’a pas de sens si elle n’est pas face à une réaction. L’ultime expression de soi ne peut survenir si elle n’a pas de spectateur (fusse-t-il un animal, un défunt, etc.).

© Joe Green

La métamorphose est un sujet complexe. On se lève le matin en voulant changer le monde, ou se changer soi-même, ou parfois (même si c’est probablement plus risqué) changer les autres. C’est peut-être ce qui explique pourquoi la métamorphose est abordée dans de si nombreuses œuvres d’art : Shakespeare (Songe d’une nuit d’été), Apulée (Les Métamorphoses), ou encore Kafka (La métamorphose) et même la saga Harry Potter (le polynectar), etc. Les références ne manquent pas.

Cornelius Castoriadis affirme que « l’homme ne peut rien créer », car les « vraies formes sont immuables, incorruptibles, inengendrables ». Mais c’est peut-être parce que l’on ne cherche pas à métamorphoser ce qui peut l’être. Pour Giordano Bruno, la nature humaine dispose d’une « puissance de transformation » qui lui est propre. Il suffit alors de maîtriser cette puissance, qui relie les humains à une sorte « d’infini cosmique », pour qu’à travers la philosophie, l’Homme devienne ainsi un maître de la métamorphose, et puisse donc « transformer en permanence sa puissance d’agir et de penser ». Ces paroles encourageantes laissent à penser que la métamorphose peut très bien sortir du monde de la mythologie et du conte de fées pour s’inscrire dans celui du possible. Et donc, que rien ne s’oppose à une métamorphose radicale du monde, pour le bien.

*

Merci et à bientôt.

Petite bibliographie : 
- Giordano Bruno, Une philosophie de la métamorphose.
- Cornelius Castoriadis, L'institution imaginaire de la société.
- Philippe Descola, Par dela nature et culture.
- Kafka, La métamorphose.
- Antoine Lavoisier, Traité élémentaire de chimie.
- Alexander Roob, Alchimie et mystique.
- Ovide, Les métamorphoses.

Fouiller dans les Archives

Il apparaît que dans bien des cas, un travail de recherche digne de ce nom ne puisse pas aller sans une enquête approfondie de fouilles dans une forme ou une autre d’archives. C’est un travail fastidieux, pas toujours agréable ni gratifiant, et dans certains cas, il est possible que l’on ressorte de cette expédition lessivé, mais pas plus renseigné. Pourtant, si votre sujet de recherche comporte des éléments d’archives (et c’est le cas du mien), il est indispensable de se plonger dedans, au moins une fois, juste au cas où quelque chose aurait pu nous échapper.

On parle généralement du terme « archives » lorsqu’il est question de documents anciens. Ces documents sont stockés et classés dans un but de conservation ou à des fins historiques (souvent même, les deux). Ce type de documents ne porte pas toujours officiellement le nom d’ « archives » pour les personnes qui le gèrent, ou bien pour ceux qui en sont la source. Pourtant, dès lors qu’un document qui a eu son utilité par le passé, n’en a plus à ce jour parce qu’il a perdu de son actualité, et est conservé, alors ce document est une forme d’archive (en tout cas dans le contexte qui nous intéresse ici).

La principal difficulté du travail de fouille dans les archives, c’est qu’il peut s’agir d’absolument tout et n’importe quoi. En sciences humaines (SHS), on peut trouver des manuscrits, des journaux, des notes de service, des rapports d’activités, mais aussi des flyers ou des prospectus. Mais certains documents ne sont pas forcément du texte, ils peuvent être visuels, voir graphiques, comme les affiches d’événements, les cartes, les publicités, les billets ou les tickets. D’autres encore, peuvent tout simplement n’être pas palpables. Ce sont les vidéos (officielles ou amateurs), les podcasts, les transmissions radios enregistrées, etc. La liste est infinie. Bien sûr, tout cela peut également se retrouver dans son équivalent numérique (en ligne ou non), en particulier lorsqu’il s’agit de documents récents. Dans le cas de ma thèse spécifiquement, surtout dans les cas où il existe peu d’archives en quantité, je préfère privilégier la prudence et ne pas pré-trier ce sur quoi je vais me pencher sans savoir ce qu’il y a dedans avant. Tous les types de documents ont leurs avantages et leurs défauts. Leur sélection doit dépendre avant tout de votre sujet et de votre problématique. Quels sont les documents qui peuvent vous permettre de mettre en avant ce dont vous souhaitez parler ?

© Marjan Blan

La toute première phase d’un travail de fouille dans les archives, c’est la phase de recueillement. C’est de loin la plus fastidieuse, bien que ce ne soit pas la plus longue. Trouver des données d’archives peut se faire de plusieurs façons selon ce que vous recherchez. Le cas idéal, c’est celui où vous vous intéressez à ce que l’on appelle les « archives publiques ». C’est à dire en d’autres termes, aux archives de l’État. Puisqu’il s’agit d’éléments officiels, ce type de documents est souvent surprenant d’informations précieuses. Cependant, méfiez-vous de l’aspect juridique de la chose. En France par exemple, les archives publiques peuvent être utilisées après un certain délai, qui est régit dans une loi figurant au Code des relations entre le public et l’administration, à l’article L 321-1. Mais cette loi ne s’applique plus lorsqu’il s’agit de documents pouvant contenir les données personnelles de quelqu’un ou bien si le document relève plutôt de la propriété intellectuelle. Gardez à l’esprit que chaque pays a ses propres règles et lois concernant ses archives publiques. Il s’agirait de ne pas violer la loi quelque part, même si c’est à l’autre bout du monde…

L’autre grande source de documents c’est évidemment les sources privées. Les documents sont plus difficiles à obtenir, il faut chercher plus longuement, surtout lorsqu’il s’agit de documents dont la publication n’est pas obligatoire. Malgré cela, les archives privées ont l’avantage de pouvoir être exploitées selon le bon vouloir du propriétaire. C’est à dire que s’il vous aime bien, ou qu’il s’en fiche totalement (ce qui arrive plus souvent qu’on ne le pense), vous pouvez utiliser les documents qu’il vous confie dans vos recherches. Mais attention, cela relève du droit privé, il est toujours préférable d’assurer vos arrières en lui demandant une trace écrite de son accord.

C’est un simple conseil, mais je vous recommande dès le départ, de tenir une liste complète et bien renseignée de toutes les archives que vous consultez. J’y indique personnellement la provenance ou la source, la date de création du document, la date de mise à disposition parfois, un maximum de description du document et mes propres notes le concernant, ainsi bien sûr, qu’une caractérisation basique (titre ou nom, etc.). Je traite cette liste presque aussi précieusement que les quelques paragraphes que j’ai déjà écrits de ma thèse ou que ma bibliographie (copie sur mon ordinateur, sur mon disque dur externe, sur deux clefs USB différentes, etc.). S’il m’arrivait de perdre ce travail, dûment classifié et analysé, c’est moi qui serait perdue !

© Ula Kuzma

Le travail d’archive permet indubitablement de disposer d’une immersion directe, particulièrement si votre thématique comporte des événements ponctuels qui sont aujourd’hui terminés. L’aspect historique est un autre avantage indéniable des archives. Elles sont une machine à voyager dans le temps, littéralement. Relire un vieux journal est exactement un retour dans le passé, on y ressent l’ambiance, les préoccupations et parfois même les sentiments de ceux qui l’ont écrit. En sciences humaines, c’est un élément que je considère à ne pas négliger, afin de mieux saisir les idées et les concepts des personnes à un instant T.

L’apport de documents permet de donner au travail de recherche une sorte d’appui scientifique, car il s’agit d’un élément de source fiable, souvent attesté et parfois accessible (et donc vérifiable) par tout le monde librement. Finalement, ce que j’appelle la fouille d’archives, c’est d’abord un travail de compilation. Même dans les matières dites « abstraites », car certains éléments peuvent permettre de conceptualiser et même de rendre plus concrets certains aspects de la recherche. Ensuite, c’est un travail d’analyse, ce que, je suis sûre, vous savez parfaitement faire. C’est ce travail d’analyse, qui constituera votre plus gros effort, qui donnera tout leur relief aux documents qui auront retenu votre attention, afin de pouvoir en faire ressortir vos hypothèses de travail.

Enfin, il vous faudra ensuite exploiter les données à l’intérieur de la thèse, mais comment ? Après plusieurs demi-journées de torture, j’ai fini par réaliser que finalement la solution est bien souvent contenue dans les documents eux-mêmes. Parfois il s’agira de photographies dans les annexes, ou de retranscriptions complètes lorsque cela se justifie. Mais cela peut aussi, dans le cas des documents textes, être une citation à l’intérieur du texte de votre travail si cela est possible et suffisant. L’important est de lier votre document au reste de la thèse surtout ! Il ne s’agit pas de parler d’un document pour en parler, il faut que ça apporte quelque chose à votre problématique et à votre démonstration. Sinon, c’est de l’archivage, pas une thèse les amis !


Bon courage dans vos recherches & à bientôt !