Archives de catégorie : Réflexions / Reflexions

The artist’s body Part 2 – The body that makes

Attention, during the whole series “The body of the artist”, it’s recommended to the sensitive souls to abstain from such a reading. Note that the images will remain visible all the same.

We saw last month that some artists have chosen to give more importance in their works to the action of painting than to the painting as a result. What counts is no longer the production itself, the concrete, palpable creation, but rather the action of doing, the action of creating, so the action. This is how the first happenings were born, which can be awkwardly translated as “event”.

The work becomes the action of the artist himself. It’s no longer possible to keep a trace of what has been created other than by another medium, such as photography or video for example. What the artists emphasize through this movement is the performance, and thus the link created in the moment with the spectator, whether he is voluntary or “undergoes” the work.

© Warhol Co

From there, everything can become a work, everything can be Art. Everyday life becomes the favorite subject of some artists. Even today it’s possible to find photographs of Dick Higgins and Alison Knowles’ performances, “Danger Music” during which Alison shaves Dick’s head in a particularly conscientious way. You can also go to the famous online video platform to see Andy Warhol eating his cheeseburger again and again with unparalleled care. In the same vein, we can also see Bonnie Sherk eating her meal in a cage reserved for animals, while eating a meal prepared in a restaurant. There is also a whole series of photographs on the performances of Mierle Laderman Ukeles who works to clean the streets and the ground around and inside several museums. Ben Vautier chose to “enter the water with an umbrella” and to make a work of it (on several occasions).

But the artist’s body sometimes acts in a way that is out of the ordinary. This is the case of Yves Klein’s numerous attempts at levitation, who, after injuring himself several times, finally decided, with the complicity of a friend who developed photographs, to produce forgeries supposed to represent him in full flight, or between life and death, depending on the themes they decided to put forward. Or the numerous photographs of Bruce Nauman who represents him “as a fountain”, spouting water from his mouth. In “Parallel Stress”, Dennis Oppenheim suspended himself between two walls in a precarious balance, spread out just enough for him to cling on as best he could between the two (at least for the few minutes that the performance lasted).

Other artists have chosen to go even further and include the spectators in their works. The body that makes is no longer entirely that of the artist this time. Yoko Ono, in “Cut Piece”, which must have inspired Marina Abramovic, is simply sitting on the stage, and it’s the spectator who has the task of coming on stage and cutting up her clothes. The spectator and the artist are thus in a duality where the control of the situation and of what happens is at stake. The spectator is the one who acts, in front of a submissive artist, but who remains nevertheless the one by whom everything happens. As for Giuseppe Penone, with “Rovesciare i propri occhi” during which he wears mirrored lenses, sends the viewer back to his own image, to his own contemplation. It’s then up to the spectator to establish what he does with it.

© Volker Gleaser

With the project “Manifestation for all the senses” of Milan Knizak, the artist is only the organizer of a kind of amusement park in which the spectator has only to walk around to live an extraordinary experience. Olfactory because they are almost sprayed with perfume, musicians play, and the organizers then crowd around the spectators to shout, scream, etc.. Here the work has become a place and an experience to be lived by the spectator who “lives” the work. More recently (in the 2010’s), the Russian director Ilya Khrzhanovksy, for his project « Dau », built an architectural complex in the style of the USSR of the 30s and 40s and proposed to hundreds of people to come and live there, exactly as the habitants of the USSR of that time would have done. The experiment-work lasted two years and was carefully filmed by the artist, proud of his creation. He then offered to visit the places in question. But to do this, you have to proceed as in the former USSR, with a visa application and a visit that lasts at least 6 hours (up to unlimited time). The work here is more of an experience for the spectator, who is no longer so passive…

The artist’s body is extended into the viewer’s body.


Thank you and see you soon for the next part of this series!

Le corps de l’artiste Partie 2 – Le corps qui fait

Attention, durant toute la série « Le corps de l’artiste », il est recommandé aux âmes sensibles de s’abstenir d’une telle lecture. A noter que les images resteront visibles tout de même.

Nous avons vu le mois dernier que certains artistes ont choisi de donner dans leurs œuvres plus d’importance à l’action de peindre qu’à la peinture en tant que résultat. Ce qui compte, ce n’est donc plus la production à proprement parler, la création concrète, palpable, mais plutôt l’action de faire, l’action de créer, l’action donc. C’est ainsi que sont nés les premiers happenings, que l’on peut maladroitement traduire par « événement ».

L’œuvre devient l’action de l’artiste elle-même. Il n’est plus possible de garder une trace de ce qui a été créé autrement que par un autre médium, comme la photographie ou la vidéo par exemple. Ce que les artistes mettent en valeur à travers ce mouvement, c’est la performance, et donc le lien créé dans l’instant avec le spectateur, qu’il soit volontaire ou qu’il « subisse » l’œuvre.

© Warhol Co.

A partir de là, tout peut devenir œuvre, tout peut être Art. La vie quotidienne devient le sujet préféré de certains artistes. Encore aujourd’hui il est possible de trouver des photographies des performances de Dick Higgins et Alison Knowles, « Danger Music » durant lequel Alison rase le crâne de Dick de façon particulièrement consciencieuse. Il suffit aussi d’aller sur la célèbre plate-forme de vidéos en ligne pour revoir encore et encore Andy Warhol manger son cheeseburger avec un soin inégalable. Dans le même ordre d’idée, on peut également voir manger Bonnie Sherk qui s’est solidairement assise dans une cage réservée aux animaux pour manger un repas préparé dans un restaurant. Il existe également toute une série de photographies sur les performances de Mierle Laderman Ukeles qui s’applique à nettoyer les rues et le sol aux alentours et à l’intérieur de plusieurs musées. Ben Vautier quant à lui à choisi de « Rentrer dans l’eau tout habillé avec un parapluie » et d’en faire une œuvre (à plusieurs reprises d’ailleurs).

Mais le corps de l’artiste agit parfois d’une façon qui sort de l’ordinaire justement. C’est le cas des nombreuses tentatives de lévitation de Yves Klein, qui, après s’être blessé à plusieurs reprises, a décidé finalement avec la complicité d’un ami développeur de photographies, de produire des faux supposés le représenter en plein vol, ou entre la vie et la mort, selon les thématiques qu’ils ont décidé de mettre en avant. Ou encore des nombreuses photographies de Bruce Nauman qui le représente « en tant que fontaine », faisant jaillir de l’eau de sa bouche. Dans « Parallel Stress », Dennis Oppenheim s’est suspendu entre deux murs dans un équilibre précaire, écartés juste assez pour qu’il puisse s’y agripper tant bien que mal entre les deux (au moins pendant les quelques minutes qu’on duré la performance).

D’autres artistes ont choisi d’aller plus loin encore et d’inclure les spectateurs dans leurs œuvres. Le corps qui fait n’est plus tout à fait celui de l’artiste cette fois. Yoko Ono, dans « Cut Piece », qui a certainement par la suite dû inspirer Marina Abramovic, est simplement assise sur la scène, et c’est le spectateur qui a pour tâche de venir sur la scène et de découper ses vêtements. Le spectateur et l’artiste sont donc là dans une dualité où se joue la maîtrise de la situation et de ce qui se passe. Le spectateur est celui qui agit, face à un artiste soumis, mais qui reste pourtant celui par qui tout arrive. Giuseppe Penone quant à lui, avec « Rovesciare i propri occhi » durant lequel il porte des lentilles miroirs, renvoie le spectateur à sa propre image, à sa propre contemplation. Au spectateur ensuite d’établir ce qu’il en fait.

© Volker Gleaser

Avec le projet « Manifestation pour tous les sens » de Milan Knizak, l’artiste n’est que l’organisateur d’un genre de parc d’attraction dans lequel le spectateur n’a qu’à se promener pour vivre une expérience hors du commun. Olfactive car on les asperge presque de parfum, des musiciens jouent, et les organisateurs s’agglutinent ensuite autour des spectateurs pour hurler, crier, etc. Ici l’œuvre est devenue un lieu et une expérience à vivre par le spectateur qui « vis » l’œuvre. Plus récemment (dans les années 2010), le réalisateur russe Ilya Khrzhanovksy, pour son projet Dau, a construit un complexe architectural à la mode URSS des années 30/40 et a proposé à des centaines de personnes de venir y vivre, exactement comme l’auraient fait les habitants de l’URSS de cette époque. L’expérience-œuvre a duré deux ans et a été filmée avec soin par l’artiste, fier de sa création. Il a ensuite proposé à la visite les lieux en question. Mais pour cela il faut procéder comme en ex-URSS, avec demande de visa à l’appui et une visite qui dure au moins 6 heures (pouvant aller jusqu’à un accès illimité). L’œuvre tient ici plus de l’expérience vécue par le spectateur, qui n’est plus si passif…

Le corps de l’artiste se prolonge dans celui du spectateur.


Merci et à bientôt pour la prochaine partie de cette série !

The body or the artist, part 1 – The painting body

Artists have always liked to represent human bodies. From the time of the caves until today, there’s an infinity of representations of the human body. This motif, declined under all possible variations, is an interesting subject. However, today, we will rather look at what the artist does (or does not) with his own body.

Here again, the variations seem extraordinarily numerous, especially since the 20th century has given birth to facets of art that use the artist’s body in an unexpected or original way. For such a vast subject, it’s not reasonable to pretend to exhaustiveness. We will nevertheless try to focus our attention on several facets of the artist’s body in art today. The first, for a sober introduction of the subject, will be the body that paints.

Beware, during the whole series “The body of the artist”, it’s recommended to sensitive minds to refrain from such a reading. Note that the images will remain visible all the same.

From the middle of the twentieth century, Art is no longer only interested in the painted canvas, in the result. Critics, thinkers and artists redirected their attention to the act of painting itself. The action, the act of painting, had become the main subject, or at least a significant part of art itself. This is how action painting is born.

© Mike Petrucci

This current, at first mainly led by male artists, first focused on the action of the painter, then the body became a tool that allows to paint, to spread the paint, to act in the painting activity. The artist’s body becomes in turn a brush or even a canvas. Female artists then took over this trend as well, and the whole world of Art was modified without any possible return.

Of course, everyone knows the brilliant Jackson Pollock, who represented almost the entire action painting movement, as evidenced by the numerous videos of his painting “performances”. But we must also mention the brilliant Georges Mathieu, who combined his painting with a very particular gesture. His monumental paintings, often done while wearing period costumes, were executed in spectacular scenes photographed or filmed, which were sometimes more like theater than painting in the traditional sense.

It was then up to the Japanese to take hold of this movement where the artist’s body was solicited as a tool for artistic creation. Shozo Shimamoto making his paintings by throwing his paint pots directly on the canvas, or Kazuo Shiraga rolling in the mud, the act of making art becomes closer and closer to the artist’s body, organic. From there it’s only a step towards Yves Klein’s anthropometries. The latter proposes indeed representations where women, naked, the body coated with paint, became the tool used to apply the paint on the canvas, that the painter now, hardly approaches. What the brilliant Niki de Saint-Phalle understood well with her painted works which are in reality only canvases with bags of paint, which she bursts by shooting a gun directly on them, thus letting the paint flow, in explosions of dripping and cathartic colors.

© Amauri Mejia

But others choose this pretext to get closer to their work than ever. The artist Marcel Duchamp, well known for his subversive mind, went so far as to use elements of his own body (hair, hair, …) or his bodily secretions (his semen in this case), to constitute paintings where he mixed manifestations of his own body and paint, Plexiglas etc.. Original materials that are understandable when you know that these paintings were intended for his lover, the Brazilian artist Maria Martens. There are also those who continue, obstinately, to hold the brush, but who have made it slip from their hands… This is the case of Shigeko Kubota, who, as a sign of protest against the action painting mostly practiced by men and therefore almost “ejaculatory”, will use her vagina to hold the brush in her works.

And then, of course, there is a moment when the paint disappears altogether. Claes Oldenburg or Carolee Schneemann have chosen in some of their works to paint with unidentified organic matter, or even waste or garbage. Ana Mendieta chose to paint with blood. Andy Warhol explored the question with a process of action painting that involved his own urine.

Thus, the body of the artist becomes not only an element of “doing”, it’s what must be looked at, the center of the work. There is certainly no shortage of examples, and these are just some, taken from thousands, of artists who have chosen to see their bodies, as artists, differently.


Thank you for hanging in there until the end and see you soon!

Le corps de l’artiste, partie 1 – Le corps qui peint

Les artistes ont toujours aimé représenter des corps humains. Du temps des grottes jusqu’à aujourd’hui, il existe une infinité de représentations du corps de l’être humain. Ce motif, décliné sous toutes les variations possibles est un sujet intéressant. Cependant, aujourd’hui, nous allons plutôt nous pencher sur ce que l’artiste fait (ou ne fait pas) de son corps à lui.

Là encore, les déclinaisons paraissent extraordinairement nombreuses, surtout depuis que le XXe siècle a donné naissance à des facettes de l’art qui utilisent le corps de l’artiste d’une façon inattendue ou originale. Pour un sujet aussi vaste, il n’est pas raisonnable de prétendre à l’exhaustivité. On tentera tout de même de concentrer notre attention sur plusieurs facettes du corps de l’artiste dans l’art aujourd’hui. La première, pour une sobre introduction du sujet, sera celle du corps qui peint.

Attention, durant toute la série « Le corps de l’artiste », il est recommandé aux âmes sensibles de s’abstenir d’une telle lecture. A noter que les images resteront visibles tout de même.

Dès le milieu du XXe siècle, l’Art ne s’intéresse plus seulement à la toile peinte, au résultat. Critiques, penseurs et artistes redirigent leur attention vers l’acte de peindre lui-même. L’action, le fait de peindre, était devenu le sujet principal, ou au moins une part non négligeable de l’art lui-même. C’est ainsi que l’action painting a vu le jour.

© Mike Petrucci

Ce courant, d’abord surtout mené par des artistes masculins, s’est d’abord concentré sur l’action du peintre, puis le corps est devenu un outil qui permet de peindre, d’étaler la peinture, de faire acte dans l’activité peinture. Le corps de l’artiste devient tour à tour pinceau, brosse ou bien encore toile. Les artistes féminines se sont ensuite emparées de ce courant également et c’est tout l’Art qui s’en est trouvé modifié sans retour possible.

Tout le monde connaît bien sûr le génial Jackson Pollock, représentant presque à lui seul de tout le courant action painting, en témoigne les nombreuses vidéos de ses « performances » de peinture. Mais il faut également citer le brillant Georges Mathieu, qui alliait à sa peinture toute une gestuelle bien particulière. Ses peintures monumentales, souvent réalisées alors qu’il portait des costumes d’époque, étaient exécutées dans des scènes spectaculaires photographiées ou bien filmées, qui relevaient parfois plus du théâtre que de la peinture au sens traditionnel.

C’est ensuite aux japonais de s’emparer de ce mouvement où le corps de l’artiste est sollicité en tant qu’outil permettant la création artistique. Shozo Shimamoto réalisant ses peintures en jetant avec fougue ses pots de peinture directement sur la toile, ou encore Kazuo Shiraga se roulant dans la boue, l’acte de faire de l’art devient de plus en plus proche du corps de l’artiste, organique. De là il n’y a donc qu’un pas vers les anthropométries de Yves Klein. Ce dernier propose en effet des représentations où des femmes, nues, le corps enduit de peinture, sont devenues l’outil servant à appliquer la peinture sur la toile, que le peintre à présent, approche à peine. Ce que la brillante Niki de Saint-Phalle a bien compris avec ses œuvres peintes qui ne sont en réalité que des toiles avec des sacs de peinture, qu’elle éclate en tirant au fusil directement dessus, laissant ainsi couler la peinture, dans des explosions de couleurs dégoulinantes et cathartiques.

© Amauri Mejia

Mais d’autres choisissent au contraire ce prétexte pour se rapprocher de leur œuvre plus que jamais. L’artiste Marcel Duchamp, bien connu pour son esprit subversif, a été jusqu’à utiliser des éléments de son propre corps (poils, cheveux, …) ou ses sécrétions corporelles (sa semence en l’occurrence), pour constituer des tableaux où il mêlait ainsi manifestations de son propre corps et peinture, plexiglas etc. Des matériaux originaux qui se comprennent quand on sait que ces tableaux étaient destinés à son amante, l’artiste brésilienne Maria Martens. Il y a également ceux qui continuent, obstinément à tenir le pinceau, mais qui l’ont fait glissé de leurs mains… C’est le cas de Shigeko Kubota, qui, en signe de protestation contre l’action painting surtout pratiqué par les hommes et donc presque « éjaculatoire », utilisera son vagin pour tenir le pinceau dans ses œuvres.

Et puis il y a bien sûr un moment où la peinture disparaît tout à fait. Claes Oldenburg ou Carolee Schneemann ont donc choisi dans certaines de leurs œuvres de peindre avec des matières organiques non identifiées, ou même des déchets ou des ordures. Ana Mendieta elle, a choisi de peindre avec du sang. Andy Warhol explorera la question avec un procédé d’action painting qui impliquera sa propre urine.

Ainsi, le corps de l’artiste ne devient plus seulement un élément du « faire », il est ce qui doit être regardé, le centre de l’œuvre. Les exemples ne manquent certainement pas, et il ne s’agit là que de quelques cas, pris parmi des milliers, d’artistes qui ont choisi de voir leur corps, en tant qu’artistes, autrement.


Merci de vous être accrochés jusqu’au bout et à bientôt !

Metamorphosis

Lavoisier tells us that: “nothing is created, neither in the operations of art, nor in those of nature, and one can posit in principle that, in any operation, there is an equal quantity of matter before and after the operation; that the quality and quantity of the principles is the same, and that there are only changes, modifications”. This law of conservation is generally simplified by “Nothing is lost, nothing is created, everything is transformed”. Somehow I could stop my explanation at this simple quote, but some of you might be a little disappointed.

The word metamorphosis comes from the Greek meta, which means after, and from morphe, which means form. Together they give metamorphoun, transform, and metamorphosis, transformation. The Romans would later adopt this term in Latin. In antiquity, metamorphosis is one of the most common events in Greek-Roman mythology. Ovid, a famous Latin poet, wrote in his famous Metamorphoses, the stories of humans transformed into birds or terrifying beasts. But sometimes they were also changed into mountains or trees, or even constellations of stars. In this book, metamorphosis is alternately a punishment from the gods or a reward from them.

In the Middle Ages, alchemists desperately sought the secret of the transmutation of lead into gold, of vile matter into precious matter. During this time, humans were accused of transforming themselves into crows or frogs and were condemned to death for this. Metamorphosis is therefore always a mysterious, almost mystical event. However, it will soon become apparent that many animals are subject to changes of this nature. Insects for example, like the butterfly in its chrysalis, see their shape change radically. To do so, however, they must go through a stage of dormancy, of rest.

© Suzanne D. Williams

But humans also seek change for themselves, a way to metamorphose. In “primitive” societies, for example, there is always a will to change, to transform oneself. We wear feathers in our hair or ritual paintings on our faces. In some tribes (the Jivano) it’s even considered that body paintings are more representative of a person’s being than the shape of his features. His identity is therefore the way he has chosen to metamorphose. Elsewhere, among the tribes who go hunting in disguise (=metamorphosed into an animal), it’s feared that the metamorphosis is stronger than reality. This tactic does not go then without fear: after all, what will be stronger, what will prevail, the difference of the bodies or the similarity between the soul of the human and the soul of the animal?

Descola tells us: “The metamorphosis is therefore not an unveiling or a disguise, but the culminating stage of a relationship where each person, by modifying the position of observation that his original physicality imposes on him, strives to coincide with the perspective under which he thinks the other sees himself. »
The human being who metamorphoses, disguises himself or tries to transform himself (including one could say it by surgical operations nowadays, or modifications such as tattoos or piercings, etc.) not for himself, but in relation to others. He metamorphoses in order to get closer to others, or to distinguish himself from them. He’s in any case always in a relationship. A metamorphosis is meaningless if it’s not faced with a reaction. The ultimate expression of oneself cannot occur if it does not have a spectator (be it an animal, a deceased person, etc.).

© Joe Green

Metamorphosis is a complex subject. We get up in the morning wanting to change the world, or change ourselves, or sometimes (although it’s probably riskier) change others. This may explain why metamorphosis is addressed in so many works of art: Shakespeare (A Midsummer Night’s Dream), Apuleius (The Metamorphoses), or Kafka (The Metamorphosis) and even the Harry Potter saga (the Polyjuice potion), etc. References are not lacking.

Cornelius Castoriadis asserts that “man can create nothing”, because “true forms are immutable, incorruptible, unbreakable”. But perhaps this is because one does not seek to metamorphose what can be. For Giordano Bruno, human nature has a “power of transformation” of its own. It’s then enough to master this power, which links humans to a kind of “cosmic infinity”, so that through philosophy, Man becomes a master of metamorphosis, and can thus “permanently transform his power to act and think”. These encouraging words suggest that metamorphosis can very well leave the world of mythology and fairy tales to become part of the world of the possible. And therefore, that nothing stands in the way of a radical metamorphosis of the world for the good.

*

Thank you & see you soon.

Little bibliography : 
- Giordano Bruno, A Philosophy of Metamorphosis.
- Cornelius Castoriadis, The Imaginary Institution of Society.
- Philippe Descola, Par dela nature et culture.
- Kafka, The metamorphosis.
- Antoine Lavoisier, Elementary Treatise on Chemistry.
- Alexander Roob, Alchemy and mysticism.
- Ovide, Metamorphoses.

Métamorphose

Lavoisier nous dit que : « rien ne se crée, ni dans les opérations de l’art, ni dans celles de la nature, et l’on peut poser en principe que, dans toute opération, il y a une égale quantité de matière avant et après l’opération ; que la qualité et la quantité des principes est la même, et qu’il n’y a que des changements, des modifications ». On simplifie généralement cette loi sur la conservation par « Rien ne se perd, rien ne se crée, tout se transforme ». D’une certaine façon il me serait possible d’arrêter mon explication à cette simple citation, mais certains d’entre vous seraient peut-être un peu déçus.

Le mot métamorphose vient du grec méta, qui signifie après, et de morphé qui signifie forme. Ensemble ils donnent metamorphoun, transformer, et metamorphosis, transformation. Les romains adopteront ensuite ce terme en latin. Dans l’Antiquité, la métamorphose fait partie des événements les plus courants de la mythologie greco-romaine. Ovide, un célèbre poète latin, écrivit dans ses célèbres Métamorphoses, les histoires d’humains transformés en oiseaux ou en bêtes terrifiantes. Mais il leur arrivait aussi d’être changés en montagne ou en arbres, ou même en constellations d’étoiles. Dans cet ouvrage, la métamorphose est alternativement une punition des dieux ou une récompense de leur part.

Au Moyen-âge, les alchimistes cherchaient désespérément le secret de la transmutation du plomb en or, de la matière vile en matière précieuse. Pendant ce temps, on accusait des humains de se transformer en corbeaux ou en grenouilles et on les condamnait à mort pour cela. La métamorphose est donc toujours un événement mystérieux, mystique presque. Pourtant, on constatera rapidement que de nombreux animaux sont sujets à des changements de cette nature. Les insectes par exemple, comme le papillon dans sa chrysalide, voient leur forme changer radicalement. Pour cela néanmoins, ils doivent passer par un stade de dormance, de repos.

© Suzanne D. Williams

Mais les humains aussi recherchent le changement pour eux-mêmes, une façon de se métamorphoser. Dans les sociétés « primitives » par exemple, il y a toujours une volonté de se modifier, de se transformer. On porte des plumes dans les cheveux ou des peintures rituelles sur le visage. Dans certaines tribus (les Jivano) on considère même que les peintures corporelles sont plus représentatives de l’être d’une personne que la forme de ses traits. Son identité c’est donc la façon dont il a choisi de se métamorphoser. Ailleurs, chez les tribus qui se rendent à la chasse déguisées (=métamorphosé en animal), on craint que la métamorphose soit plus forte que la réalité. Cette tactique ne va alors pas sans crainte : après tout, qu’est-ce qui va être le plus fort, qu’est-ce qui va l’emporter, la différence des corps ou la similitude entre l’âme de l’humain et celle de l’animal ?

Descola nous dit : « La métamorphose n’est donc pas un dévoilement ou un déguisement, mais le stade culminant d’une relation où chacun, en modifiant la position d’observation que sa physicalité originelle lui impose, s’attache à coïncider avec la perspective sous laquelle il pense que l’autre s’envisage lui-même. »
L’humain qui se métamorphose, se déguise ou cherche donc à se transformer (y compris on pourrait le dire par des opérations chirurgicales de nos jours, ou des modifications telles que les tatouages ou les piercings, etc.) non pas pour lui-même, mais par rapport aux autres. Il se métamorphose pour se rapprocher des autres, ou pour s’en distinguer. Il est en tout cas toujours dans une relation. Une métamorphose n’a pas de sens si elle n’est pas face à une réaction. L’ultime expression de soi ne peut survenir si elle n’a pas de spectateur (fusse-t-il un animal, un défunt, etc.).

© Joe Green

La métamorphose est un sujet complexe. On se lève le matin en voulant changer le monde, ou se changer soi-même, ou parfois (même si c’est probablement plus risqué) changer les autres. C’est peut-être ce qui explique pourquoi la métamorphose est abordée dans de si nombreuses œuvres d’art : Shakespeare (Songe d’une nuit d’été), Apulée (Les Métamorphoses), ou encore Kafka (La métamorphose) et même la saga Harry Potter (le polynectar), etc. Les références ne manquent pas.

Cornelius Castoriadis affirme que « l’homme ne peut rien créer », car les « vraies formes sont immuables, incorruptibles, inengendrables ». Mais c’est peut-être parce que l’on ne cherche pas à métamorphoser ce qui peut l’être. Pour Giordano Bruno, la nature humaine dispose d’une « puissance de transformation » qui lui est propre. Il suffit alors de maîtriser cette puissance, qui relie les humains à une sorte « d’infini cosmique », pour qu’à travers la philosophie, l’Homme devienne ainsi un maître de la métamorphose, et puisse donc « transformer en permanence sa puissance d’agir et de penser ». Ces paroles encourageantes laissent à penser que la métamorphose peut très bien sortir du monde de la mythologie et du conte de fées pour s’inscrire dans celui du possible. Et donc, que rien ne s’oppose à une métamorphose radicale du monde, pour le bien.

*

Merci et à bientôt.

Petite bibliographie : 
- Giordano Bruno, Une philosophie de la métamorphose.
- Cornelius Castoriadis, L'institution imaginaire de la société.
- Philippe Descola, Par dela nature et culture.
- Kafka, La métamorphose.
- Antoine Lavoisier, Traité élémentaire de chimie.
- Alexander Roob, Alchimie et mystique.
- Ovide, Les métamorphoses.

Giving and receiving – Christmas part 1

First of all, as it should be, a little history. I have talked a lot here about the question of the summer solstice on June 21. But it’s now appropriate, at this time of the year, to take a little interest in its winter equivalent, December 21. Wait, this is an article on Christmas, you’ll tell me, it’s December 25, isn’t it? Not at all on the 21st, what’s this story? But. Christmas is a Christian holiday, certainly, taking place on December 25th. But it’s far from always being that simple.

You may have heard, one day or another, the words of Saturnalia? The feast of Mithras? Of Yule? Well it so happens that it’s these feasts first, which occupied our ancestors during the winter solstice.

© Norman Tsui

If you look at Mithra, it’s not surprising that his feast is celebrated on Christmas Day, because the god Mithra was born on December 25th (doesn’t that remind you of anyone?). This god, whose origin probably dates back more than 4000 years, is celebrated since then around the winter solstice, for his birthday, as it should be. Of Indo-persian origin, Mithra is the sun god. It’s he who protects humans, who warms them and allows them to feed themselves by making their plants grow. Mithra is a god who gives, and that is why, on his birthday, December 25th, he’s honored with gifts and offerings. December 21, the winter solstice, is the shortest day of the year, the night is so long that it seems it will never end. Yet, each year on December 25, Mithra is reborn and the days grow longer again, unfolding the greatest gift Mithra has to offer to humans. Further north, among the Celts (as in many other polytheistic religions, by the way), we find this idea of a solar god, who dies on the winter solstice, but whose day also represents rebirth (or birthday) and thus victory, because he is reborn again and again, invariably.

As for the Saturnalia, you will easily understand that it was a Roman custom. In Antiquity, this feast lasted one week around our present Christmas. During this period, in Roman culture, which was very hierarchical, it was considered that there was no social difference between individuals and all religions were invited to these celebrations, without any problem. Meals were shared, gifts were given to loved ones and sometimes to those who passed by the house. Children were given toys or small sort of dolls, guests were given holly, mistletoe or ivy, which was also used to decorate the house. During this week, slaves were considered free, and in some houses, the master even served the slave for a change. All institutions were closed, and all death sentences were even suspended. Everyone was at home, busy making small personalized gifts that they could then offer (saturnalia and sigillaricia). Most of the meals during this period are offered free of any kind of charge.

Druids and shamans from all over the world, during the winter solstice (among the peoples located in the other hemisphere however, the dates are reversed), we celebrate during the week of the shortest day of the year, the rebirth of the sun. Yule, which actually means “solstice” in Old Norse, is the day when Heimdall, who lives at the North Pole, comes down to visit children, rewarding those who have done well by leaving them gifts and punishing those who have not been good with ashes. For the Vikings, Yule is a feast of light, where humans, as well as gods, take the opportunity to gather with friends and family, enjoy loved ones, share good food, songs, hand-made gifts, and tell stories.

© Samuel Holt

So much for the history. Today, it’s more often remembered in the Western world that Christmas is a Christian holiday, celebrating Jesus of Nazareth, who was also born on December 25th. However, December is also the month of the day of St. Nicholas (December 6). The legend of this saint tells that he is said to have succeeded in resurrecting three little children who had been cut up by a horrible butcher. This is how he quickly became the protector of children, especially the little ones. In the Middle Ages, as early as 1087, in Northern and Eastern European countries, it gradually became customary for a man to disguise himself as Saint Nicholas (as he was pictured, i.e. with a large beard, a bishop’s crook, a mitre and a large hooded garment) and to pass through houses to offer gifts to well-behaved children (it was not until the 16th century that Mr Bogeyman made his appearance). Little by little, the legends became intertwined, giving birth to Santa Claus, a character strangely resembling St. Nicholas, who gives presents to children, but on the day of Jesus’ birth now, December 25th.

In spite of this, we should not forget that another great festival takes place around the winter solstice, which is Hanukkah. For the Jews it’s a very great moment of rejoicing, during 8 days, the feast of lights. And it’s indeed still about lights that inexplicably last longer than one would expect (like the sun that comes back every year). It’s an opportunity to make large and long hearty meals, but also to study and cultivate oneself around stories (Hanukkah comes from the root of the Hebrew word ‘hanèkh, which means “to educate”). And of course we also give each other gifts! Contrary to popular belief, it is not the acculturation of the Jews that led them to adopt the habit of giving gifts to each other, as their great wise of the past already encouraged this custom (Maimonides, etc.).

The winter solstice is therefore a moment closely related to giving and receiving gifts. (Luckily, Santa Claus today does not only care for children!) This custom raises a multitude of questions, among which is that of the gratuity and/or the value of what we offer, of the importance given to “being together” vs. the material accumulation of goods, or even that of knowing, obviously, more profoundly, where come from the fact that we have been giving each other gifts around the winter solstice for thousands of years?

In any case, I wish you all a wonderful winter solstice and a wonderful holiday season, hoping that it will be possible for you to see your loved ones despite the current circumstances and no matter if this period has more meaning for you as Yule or Christmas, or whether it’s Saint Nicholas or Mithra who brings you your gifts.


Thank you & see you soon!

Donner et recevoir – Noël partie 1

D’abord, comme il se doit, un petit historique. J’ai beaucoup évoqué ici la question du solstice d’été, le 21 juin. Mais il convient à présent, période de l’année oblige, de s’intéresser un peu à son équivalent hivernal, le 21 décembre. Attendez, c’est un article sur Noël me direz vous, c’est le 25 décembre non ? Pas du tout le 21, qu’est-ce que c’est que cette histoire ? Sauf que. Noël est une fête chrétienne, certes, ayant lieu le 25 décembre, certes. Mais c’est loin d’avoir toujours été aussi simple.

Vous avez peut-être entendu, un jour ou l’autre, les mots de Saturnales ? De fête de Mithra ? De Yule ? Eh bien il se trouve que ce sont ces fêtes d’abord, qui ont occupé nos ancêtres lors du solstice d’hiver.

© Norman Tsui

Si on se penche sur Mithra, il n’y a rien d’étonnant à ce que sa fête soit célébrée le jour de Noël, car le dieu Mithra est né le 25 décembre (cela ne vous rappelle personne?). Ce dieu dont l’origine remonte probablement à plus de 4000 ans, est fêté depuis lors aux alentours du solstice d’hiver, pour son anniversaire, comme il se doit. D’origine indo-persienne, Mithra est le dieu du soleil. C’est lui qui protège les humains, qui les réchauffe et leur permet de se nourrir en faisant pousser leurs plantes. Mithra est un dieu qui donne, et c’est pourquoi, lors de son anniversaire, le 25 décembre, on lui rend hommage avec des cadeaux et des offrandes. Le 21 décembre, solstice d’hiver, est le jour le plus court de l’année, la nuit est si longue, qu’il semble qu’elle ne finira jamais. Pourtant, chaque année, le 25 décembre, Mithra renaît et les jours se rallongent à nouveau, déployant ainsi le plus beau cadeau que Mithra ait à offrir aux humains. Plus au nord, chez les Celtes (comme chez bien d’autres religions polythéistes d’ailleurs), on retrouve cette idée d’un dieu solaire, qui se meurt lors du solstice d’hiver, mais dont ce jour représente aussi la renaissance (ou l’anniversaire) et donc la victoire, car il renaît sans cesse, invariablement.

Pour ce qui est des Saturnales, vous aurez aisément compris qu’il s’agissait d’une coutume romaine. Dans l’Antiquité, cette fête durait une semaine aux alentours de notre Noël actuel. Durant cette période, dans la culture romaine pourtant très hiérarchisée, on considérait qu’il n’existait plus aucune différence sociale entre les individus et toutes les religions étaient conviées à ces célébrations, sans que cela ne pose le moindre problème. On partageait des repas, on offrait des cadeaux à ceux que l’on aimait ou parfois à ceux qui passaient par la maison. Aux enfants, on offrait des jouets ou des petits personnages, aux invités, du houx, du gui ou du lierre, qui servait aussi à décorer les habitations. Durant cette semaine, les esclaves étaient considérés comme libres, et dans certaines maisons, c’était même le maître qui servait l’esclave pour changer. Toutes les institutions étaient closes, et on suspendait même toutes les condamnations à mort. Chacun est chez soi, occupé à confectionner de petits cadeaux personnalisés qu’il pourra ensuite offrir (saturnalia et sigillaricia). La plupart des repas durant cette période sont gracieusement offerts.

Druides et chamanes du monde entier, lors du solstice d’hiver (chez les peuples situés dans l’autre hémisphère cependant, les dates sont inversées), on célèbre durant la semaine du jour le plus court de l’année, la renaissance du soleil. Yule, qui signifie en réalité « solstice » en vieux norrois, est le jour où Heimdall, qui vit au pôle nord, redescend pour visiter les enfants, récompensant ceux qui ont bien agi en leur laissant des cadeaux et punissant ceux qui n’ont pas été sages par de la cendre. Pour les vikings, Yule est une fête de lumière, où les humains, aussi bien que les dieux, en profitent pour se retrouver entre amis et en famille, profiter de ceux que l’on aime, pour partager de la bonne nourriture, des chants, des présents fabriqués à la main, et raconter des histoires.

© Samuel Holt

Voilà pour l’historique. Aujourd’hui on retient plus souvent dans le monde occidental que Noël est une fête chrétienne, qui célèbre la fête de Jésus de Nazareth, qui serait lui aussi né un 25 décembre. Cependant, le mois de décembre est également le mois de la fête de Saint Nicolas. La légende de ce saint raconte qu’il aurait réussi à ressusciter trois petits enfants qui avaient été découpés par un horrible boucher. C’est ainsi qu’il est rapidement devenu le protecteur des enfants, en particulier des tous petits. Au Moyen-âge, dès 1087 (le 6 décembre), dans les pays d’Europe du Nord et d’Europe de l’Est, il devient peu à peu de coutume qu’un homme se déguise en Saint Nicolas (tel qu’on se le représentait, c’est à dire avec une grande barbe, une crosse d’évêque, une mitre et un gros vêtement à capuche) et passe dans les maisons pour offrir des cadeaux aux enfants sages (ce n’est qu’au cours du 16e siècle que le Père Fouettard fera son apparition). Peu à peu, les légendes se sont entremêlées, donnant naissance au Père Noël, un personnage ressemblant étrangement à Saint Nicolas, qui offre des cadeaux aux enfants, mais le jour de la naissance de Jésus à présent, le 25 décembre donc.

Malgré cela, il ne faut pas oublier également qu’une autre grande fête a lieu aux alentours du solstice d’hiver, il s’agit de Hanoukka. Pour les juifs il s’agit d’un très grand moment de réjouissances, durant 8 jours, la fête des lumières. Et il est effectivement encore question de lumières qui durent inexplicablement plus longtemps qu’on s’y attendrait (comme le soleil qui revient chaque année). C’est l’occasion de faire de grands et longs repas copieux, mais aussi d’étudier et de se cultiver autour d’histoires (Hanoukka vient de la racine du mot ‘hanèkh en hébreu, qui signifie “éduquer”). Et bien sûr on s’offre également des cadeaux ! Contrairement à une croyance populaire, ce n’est pas l’acculturation des juifs qui les aurait conduit à adopter l’habitude de se faire des cadeaux, car leurs grands sages anciens encourageaient déjà cette coutume (Maïmonide, etc.).

Le solstice d’hiver est donc un moment étroitement lié au fait de donner et de recevoir des cadeaux. (Heureusement, aujourd’hui le Père Noël ne s’occupe pas que des enfants!) Cette coutume pose une multitude de questions, parmi lesquelles celle de la gratuité et/ou de la valeur de ce que l’on offre, de l’importance accordée à « être ensemble » vs l’accumulation matérielle de biens, ou encore celle de savoir, évidemment, plus profonde, d’où vient que l’on s’offre des présents autour du solstice d’hiver, et ce depuis plusieurs milliers d’années ?

En tout cas, je vous souhaite à tous de passer un merveilleux solstice d’hiver et d’excellentes fêtes de fin d’années, en espérant qu’il vous soit possible de voir vos proches malgré les circonstances actuelles et peu importe si cette période a plus de signification pour vous sous le nom de Yule ou de Noël, ou qu’il s’agisse de Saint Nicolas ou de Mithra qui vous apporte vos cadeaux.


Merci & à bientôt !

Nightmare at the Festival – Part 1

Music, lights, over-motivated organizers and enthusiastic participants, how could a festival turn into a nightmare, you might ask? Yet it’s far from being a rarity and it almost becomes a classic. Festivals are known to be microcosms on their own, but that doesn’t mean that when a grain of sand enter the mechanics, the disaster doesn’t become a major one.

Woodstock, or how a disaster turned into a myth

First of all, I must destroy what is perhaps inked in your mind as one of the greatest successes of the festival world: Woodstock, August 1969. If the festival is today a true legend, a remnant of the hippie movement and of that period when everything was beautiful, flowery and smiling, it’s partly thanks to its extraordinary programming. We find for example Joan Baez, Santana, Canned Heat, Grateful Dead, Janis Joplin, Creedence Clearwater Revival, Jefferson Airplane, Jimi Hendrix, etc.. The list of talented artists is almost too good to be true. The fact is that they all came. That’s not the problem.

© Krists Luhaers

To begin with, the weather conditions are no longer a mystery today, the three days took place in pouring rain, forcing artists and spectators to deal with it. Ravi Shankar, who played on Friday had to play literally soaked by the way. Spectators had to wade through mud in torrential rain, mud that was apparently very difficult to get out of. On the other hand, the festival, which was initially a paying event, brought in so many people that it is estimated that only 10% of the spectators had paid their entrance fee, the rest had gotten in by going over the barriers or simply smashing them down. The festival was therefore in the rain, wading through mud and astronomical overcrowding. But even if we forget this kind of consideration, the musical performances were far from being what we are entitled to expect from the artists who showed up. Joan Baez, 6 months pregnant at the time, was exhausted. The Who were interrupted in the middle of their performance by a political activist. Janis Joplin arrived completely drunk on the stage. As for Jimi Hendrix, with his extraordinary and mystical performance and his on fire guitar (we’ll talk about it in a future article), he didn’t play in front of more than a few people on Sunday evening, so exhausted and confused by the conditions, all the spectators had already left.

However, this did not prevent this festival from remaining in the minds of the public as the biggest hippie festival of all time. (Perhaps not in the minds of those who actually attended…).

Concert or riot ?

Barely 6 months after Woodstock, another festival was held, the one in Altamont, of sinister memory. Organized by the Rolling Stones, it should have been the West Coast’s answer to Woodstock (which was held in New York State). It was a thunderous program, with Santana and Jefferson Airplane still part of the adventure. While we think it was drugs that kept the Woodstock audience peaceful, too high up to realize what was going on, we also think it was drugs (another kind certainly) that were responsible for the events that took place in Altamont. Furthermore, the “security” at the festival should have been held by the Hell’s Angels, who were high on LSD, amphetamines, secobarbital and alcohol (yes, yes, all of these at once), and who largely participated in the mess.

Very soon, fights broke out, right in the middle of the performances of the artists, who realized, confusedly, that something was wrong with this festival. In the afternoon, the Rolling Stones, who had planned to cross the crowd to go on stage on foot, find that the stage is overcrowded and leaves them little room. Their concert is therefore delayed until the stage is cleared to give them room to play, which only warms the spirits. Shortly afterwards, while the Stones are playing, a fight breaks out, costing the life of the eerily famous Meredith Hunter (a student from the audience), who is stabbed to death by a member of the orderly, in front of her girlfriend’s eyes. He’s then brought to the ground, beaten and stabbed again by the Hell’s. He was apparently carrying a firearm (pictures would tend to prove it), but this weapon was never found. The Stones will continue to play another eight songs after this event without having any idea of what’s going on in front of their eyes.

© Nils Schirmer

This festival is considered by many to be the official end of the hippie movement, in the face of the catastrophe it represented for many. To this will be added the death of important musical figures of the movement a few months later, including Janis Joplin, Jim Morrison and Jimi Hendrix (all three at 27 years old, more or less because of their respective addictions).

But then, it’s just a long flood of festivals that go wrong, with more or less media noise. In 1999, for the 30th anniversary of the festival of peace and love (hm, refer to what I wrote above, I would have rather said of high and rain, but hey), we organize what is meant to be a legacy festival. However, the spectators are not allowed to bring their food or water (they can of course buy it on the spot at exhorting prices). And when the Red Hot Chili Peppers perform Jimi Hendrix’s song “Fire”, the spectators simply set fire to everything they find (tents, vehicles, etc.).

However, festivals are also prone to riots with electro music, with the monumental failure of the Bloc festival in 2012, where several thousand people complained of being run over, or of being in very dangerous rushes. Vestiville, a festival with a program that included, among others, Maître Gims, had to be cancelled in catastrophe due to poor organization by its founders. And it could have stayed there, but the disgruntled spectators decided to stay on site to win their case. In response, the authorities were sent to them, accompanied by tear gas, which turned the festival into a pure riot.

Poor organization & messy cancellations

The organizers can sometimes (out of bad faith or clumsiness, I leave it to you to judge) be much worse than their spectators. During the 2008 Zoo8 festival, spectators had to wait hours before entering, no access to drinking water and a camping area as big as a pocket handkerchief for everyone. The artists, who were not paid, therefore refused to play. A tent pole near the stage broke, making access impossible, and several barriers collapsed to make matters worse.

The Maitreya Festival was not to be outdone, as it was cancelled literally the day before, and the organizers refused to reimburse all the spectators (with a ticket that ranged from $100 to $300 anyway). Festivals that cancel for the mere absence of ONE headliner among others (The flying dutch), or that let their festival-goers sleep in ditches, in the rain, without water or food of course (Tomorrowworld 2015).

The palm of disaster in terms of a contemporary failed festival is undoubtedly the Fyre Festival. A festival that promised a lot, but which… promised a lot. The founders wanted to ride the wave of web influencers, make a monstrous publicity and a carefully elaborated communication. However, they hadn’t thought for a moment, it seems, that organizing a festival required more than a nice poster and interesting video teasers. Supposed to take place on a private island that once belonged to Pablo Escobar, festival-goers first arrived by plane.

When they landed, a heavy rain (again) soaked the tents and mattresses that had been awkwardly left outside. Festival-goers are invited to wait more than 5 hours in a restaurant (which mainly offers canned cheese sandwiches) while the organizers try to catch up with their festival and struggle with group cancellations. Soon they realize that the number of festivalgoers is in any case much higher than the number of tents and wet mattresses waiting for them. It’s also not possible in this season to fall back on the hotel complexes on the neighboring islands, as they are all fully booked. On top of that, once night falls, there is no source of light to illuminate and total confusion reigns on the island.

In the meantime, several participants will have their luggage stolen, will realize that there is no network for the telephone and that most of the human constructions on the island are still unfinished construction sites. Desperate, the organizers give up and announce that the festival will be postponed and that the spectators will be flown back to Miami the next morning. Obviously, as the flight schedule is disrupted, the flight will be delayed, and festival-goers will therefore find themselves stuck at the airport, once again without access to water, food, or air conditioning, leading to fainting due to the heat.

Some musical events that went wrong :

  • Guns n’roses, July 1991 (riots apparently due to Axl Rose’s pride)
  • The Doors, March 1969 (Jim Morrisson is drunk, late, doesn’t sing, and makes exhibitionist threats (the story doesn’t say whether he carried them out before being evacuated by the authorities))
  • Frank Zappa, December 1971 (a spectator shoots a flare gun at the ceiling, causing a fire, this will give birth to Deep Purple’s most cult song “Smoke on the water”)
  • Deep Purple, April 1974 (total destruction of the instruments, stage and camera that was to film the concert by Richie Blackmore in front of a mesmerized audience and band)
  • The Stooges, 1974 (fight between Iggy Pop and some spectators, who will end up putting a contract on his head as a result)
  • Ozzy Osbourne, January 1982 (Ozzy is going to decapitate and devour the head of a bat he thought was a fake)
  • Mötley Crüe, 1983 (the audience throws bones and animal heads at the band, which is pretty well taken, until one of their technicians is hit by a dart, which Tommy manages to take away without stopping playing, shortly afterwards the smoke machine explodes, and a liquid spreads all over the stage with an atrocious smell, It was not until the last song that the band realized that the technician had been seriously burned and that the smell came from him), although the band collects disastrous concerts, we can also mention the memorable December 2015 (Tommy gets stuck upside down for several long minutes after a drum failure, videos on the internet to support the curious. ..)
  • Smith Westerns, 2011 (a torrential storm occurs, sweeps away the stage, which collapses and causes the death of 5 spectators)
  • The Who, December 1979 (fans throwing themselves on closed doors, 11 people trampled dead, 26 injured)

As you will have understood, a festival is not a place without risks, on the contrary. If sometimes the reasons for this disaster are purely economic (organizers who make empty promises or who push the lure of gain to the point of selling essential goods such as water at much too high a price), other times they are due to meteorological criteria (and yes, rain is nice but not very suitable for the festival), but above all, in the vast majority of cases, they are due to human errors whether they come from the organizers, the spectators or the artists.


I hope that in the future you will not fail to rethink everything I have just told you and… that you will then go to as many festivals and concerts as you can!

May nothing stop the music & see you soon!

Cauchemar au festival – Partie 1

De la musique, des lumières, des organisateurs sur-motivés et des participants enthousiastes, comment un festival pourrait-il tourner au cauchemar me direz-vous ? Pourtant, c’est loin d’être une rareté et cela devient presque même un classique. Les festivals sont connus pour être des microcosmes à eux seuls, mais cela ne veut pas dire que lorsqu’un grain de sable entame la mécanique, la catastrophe ne devient pas majeure.

Woodstock, ou comment un désastre s’est changé en mythe

Avant toute chose, il faut que je détruise ce qui est peut-être encré dans votre esprit comme l’un des plus grands succès du monde du festival : Woodstock, août 1969. Si le festival est aujourd’hui une véritable légende, vestige du mouvement hippie et de cette période où tout était beau, fleuri et souriant, c’est en partie grâce à sa programmation extraordinaire. On retrouve par exemple Joan Baez, Santana, Canned Heat, Grateful Dead, Janis Joplin, Creedence Clearwater Revival, Jefferson Airplane, Jimi Hendrix, etc. La liste des artistes de talent est presque trop belle pour être vraie. Le fait est qu’ils sont tous venus. Là n’est pas le problème.

© Krists Luhaers

Pour commencer, les conditions climatiques ne sont plus aujourd’hui un mystère, les trois jours se sont déroulés sous une pluie battante, contraignant artistes et spectateurs à faire avec. Ravi Shankar, qui a joué le vendredi a dû jouer littéralement trempé d’ailleurs. Les spectateurs devaient patauger dans la boue, sous une pluie torrentielle, une boue dont il était apparemment très difficile de s’extraire. Par ailleurs, le festival, qui était initialement payant, a fait venir tellement de monde qu’on estime que seuls 10 % des spectateurs avaient payé leur entrée, les autres étaient rentrés en passant par dessus les barrières ou en les défonçant tout simplement. Le festival était donc sous la pluie, pataugeait dans la boue et en surnombre astronomique. Mais même en oubliant ce genre de considération, les performances musicales étaient loin d’êtres ce que l’on est en droit d’attendre des artistes qui se sont présentés. Joan Baez, enceinte de 6 mois à l’époque, était épuisée. Les Who ont été interrompus en pleine performance par un activiste politique. Janis Joplin est arrivée complètement ivre sur la scène. Quant à Jimi Hendrix, avec sa performance extraordinaire et mystique et sa guitare brûlée (nous en reparlerons dans un futur article), n’a pas joué devant plus de quelques personnes le dimanche soir, tant tous les spectateurs, épuisés et fourbus par les conditions, étaient déjà partis.

Pourtant, cela n’a pas empêché ce festival de rester dans les esprits comme le plus grand festival hippie de tous les temps. (Peut-être pas dans l’esprit de ceux qui y ont véritablement assisté…).

Concert ou émeute ?

A peine 6 mois après Woodstock, s’est tenu un autre festival, celui d’Altamont, de sinistre mémoire. Organisé par les Rolling Stones, il aurait dû être la réponse de la côte ouest à Woodstock (qui s’était tenu dans l’état de New York). On retrouvait alors une programmation du tonnerre, avec Santana, et Jefferson Airplane qui faisaient encore partie de l’aventure. Là où l’on pense que c’est la drogue qui a maintenu les spectateurs de Woodstock pacifiques, trop perchés pour réaliser ce qui se passait, on pense également que c’est la drogue (une autre sorte certainement) qui est responsable des événements qui sont survenus à Altamont. Par ailleurs la « sécurité » sur le festival aurait dû être tenue par les Hell’s Angels, défoncés au LSD, amphétamines, sécobarbital et alcool (oui, oui, tout ça à la fois), qui ont largement participé au désordre.

Très vite, des bagarres éclatent, en plein milieu des représentations des artistes qui se rendent bien compte, confusément, que quelque chose ne va pas avec ce festival. L’après-midi, les Rolling Stones, qui ont prévu de traverser la foule pour aller sur scène à pieds, constatent que la scène est envahie et ne leur laisse que peu de place. Leur concert est donc retardé le temps de vider la scène pour leur laisser la place de jouer, ce qui ne fait qu’échauffer les esprits. Peu après, tandis que les Stones jouent, une bagarre éclate, coûtant la vie au sinistrement célèbre Meredith Hunter (un étudiant du public), qui est poignardé par un membre chargé de l’ordre, sous les yeux de sa petite amie. Il sera ensuite amené au sol, battu et poignardé à nouveau par les Hell’s. Il portait apparemment une arme à feu (des images tendraient à le prouver), mais cette arme n’a jamais été retrouvée. Les Stones continueront de jouer encore huit morceaux après cet événement sans avoir aucune idée de ce qui se déroule sous leurs yeux.

© Nils Schirmer

Ce festival est considéré par beaucoup comme la fin officielle du mouvement hippie, face à la catastrophe qu’il a représenté pour beaucoup. A cela s’ajoutera ensuite la mort de figures musicales importantes du mouvement quelques mois plus tard, dont notamment Janis Joplin, Jim Morrison et Jimi Hendrix (tous les trois à 27 ans, plus ou moins à cause de leurs addictions respectives…).

Mais ensuite, ce n’est qu’un long déluge de festivals qui tournent mal, avec plus ou moins de bruit médiatique. En 1999, pour le 30e anniversaire du festival de la paix et de l’amour (hm, référez vous à ce que j’ai écrit plus haut, j’aurais plutôt dit de la défonce et de la pluie, mais bon), on organise ce qui se veut comme un festival héritage. Cependant, les spectateurs n’ont pas le droit d’apporter leur nourriture ou leur eau (ils peuvent bien sûr en acheter sur place à des prix exorbitants). Et lorsque les Red Hot Chili Peppers reprendront la chanson « Fire » de Jimi Hendrix, les spectateurs mettent tout simplement le feu à tout ce qu’ils trouvent (tentes, véhicules, etc.).

Toutefois, les festivals sont également sujets aux émeutes avec de la musique électro, avec l’échec monumental du Bloc festival en 2012, où plusieurs milliers de personnes se sont plaintes d’avoir été écrasées, ou de s’être retrouvé dans des bousculades très dangereuses. Vestiville, un festival avec une programmation qui comprenait entre autres Maître Gims, a dû être annulé en catastrophe à cause d’une mauvaise organisation de ses fondateurs. Et cela aurait pu en rester là, mais les spectateurs mécontents ont décidé de rester sur place afin d’obtenir gain de cause. On leur enverra en réponse les autorités, accompagnées de gaz lacrymogène, ce qui transformera le festival en émeute pure et simple.

Défaut d’organisation & annulations en pagaille

Les organisateurs peuvent parfois (par mauvaise foi ou par maladresse, je vous laisse en juger) être bien pires que leurs spectateurs. Lors du festival de Zoo8 en 2008, les spectateurs ont dû attendre des heures avant d’entrée, pas d’accès à l’eau potable et un espace de camping aussi grand qu’un mouchoir de poche pour chacun. Les artistes, qui n’ont pas été payés, ont donc refusé de jouer. Un poteau de tente près de la scène s’est brisé, rendant son accès impossible et plusieurs barrières se sont écroulées pour ne rien arranger.

Le festival Maitreya n’est pas en reste, puisqu’il a été annulé littéralement la veille, et les organisateurs ont refusé de rembourser tous les spectateurs (avec un billet qui va de 100 à 300$ quand même). Des festivals qui s’annulent pour la seule absence d’UNE tête d’affiche parmi d’autres (The flying dutch), ou qui laissent leurs festivaliers dormir dans des fossés, sous la pluie, sans eau ni nourriture bien sûr (Tomorrowworld 2015).

La palme du désastre en terme de festival raté contemporain est sans doute le Fyre Festival. Un festival qui promettait beaucoup, mais qui.. promettait beaucoup. Les fondateurs ont voulu surfer sur la vague des influenceurs web, faire une publicité monstrueuse et une communication soigneusement élaborée. Cependant, ils n’avaient pas songé un seul instant semble-t-il, que l’organisation d’un festival requérait plus qu’une jolie affiche et d’intéressants teasers vidéo. Supposé se dérouler sur une île privée qui aurait anciennement appartenu à Pablo Escobar, les festivaliers ont commencé par arriver en avion.

A leur atterrissage une forte pluie (encore) a détrempé les tentes et les matelas qui avaient maladroitement été laissés dehors. Les festivaliers sont invités à attendre plus de 5 heures dans un restaurant (qui propose essentiellement des sandwichs au fromage en boîte) pendant que les organisateurs tentent de rattraper leur festival et de se débattre avec des désistements de groupes. Rapidement, ils prennent conscience que le nombre de festivaliers est de toute façon bien plus élevé que celui des tentes et des matelas mouillés qui les attendent. Il n’est pas non plus possible, en cette saison, de se rabattre sur les complexes hôteliers des îles voisines, car ils affichent tous complets. Par dessus le marché, une fois la nuit tombée, il n’existe aucune source de lumière pour s’éclairer et la confusion la plus totale règne sur l’île.

Dans l’intervalle, plusieurs participants se feront voler leurs bagages, se rendront compte qu’il n’y a pas de réseau pour le téléphone et que la plupart des constructions humaines de l’île sont des chantiers encore inachevés. Désespérés, les organisateurs renoncent et annoncent que le festival sera reporté et que les spectateurs seront ramenés en avion à Miami dès le lendemain matin. Évidemment, comme le programme de vol en est perturbé, le vol aura du retard, et les festivaliers se retrouveront donc coincés à l’aéroport, encore une fois, sans accès à l’eau, à la nourriture, ou à de l’air conditionné, ce qui conduira à des évanouissements dus à la chaleur.

Quelques événements musicaux qui ont mal tourné :

  • Guns n’roses, juillet 1991 (émeutes apparemment dues à l’orgueil Axl Rose)
  • The Doors, mars 1969 (Jim Morrisson est ivre, en retard, ne chante pas et fait des menaces exhibitionnistes (l’histoire ne dit pas s’il les as mises à exécution avant d’être évacué par les autorités))
  • Frank Zappa, décembre 1971 (un spectateur tire au plafond avec un pistolet de détresse, causant un incendie, cela donnera naissance à la chanson la plus culte de Deep Purple « Smoke on the water »)
  • Deep Purple, avril 1974 (destruction totale des instruments, de la scène et de la caméra qui devait filmer le concert par Richie Blackmore devant un public et un groupe médusé)
  • The Stooges, 1974 (bagarre entre Iggy Pop et des spectateurs, qui finiront par mettre un contrat sur sa tête à la suite de cela)
  • Ozzy Osbourne, janvier 1982 (Ozzy va décapiter et dévorer la tête d’une chauve-souris qu’il pensait être une fausse)
  • Mötley Crüe, 1983 (le public lance des os et des têtes d’animaux sur le groupe, ce qui est plutôt bien pris, jusqu’à ce qu’un de leurs techniciens soit touché par une fléchette, que Tommy arrive à lui retirer sans arrêter de jouer, peu après la machine à fumée explose, et un liquide s’étale sur toute la scène avec une odeur atroce, il fallu attendre le dernier morceau pour que le groupe réalise que le technicien avait été brûlé sérieusement et que l’odeur venait de lui) , bien que le groupe collectionne les concerts désastreux, on peut aussi citer le mémorable décembre 2015 (Tommy se retrouve coincé la tête en bas pendant plusieurs longues minutes après une panne de sa batterie, vidéos sur internet à l’appui pour les curieux…)
  • Smith Westerns, 2011 (une tempête diluvienne survient, emporte la scène qui s’écroule et cause la mort de 5 spectateurs)
  • The Who, décembre 1979 (les fans se jettent sur des portes fermées, 11 personnes mortes piétinées, 26 blessés)

Vous l’aurez compris, un festival n’est pas un lieu sans risques, bien au contraire. Si quelques fois les raisons de ce désastre sont purement économiques (les organisateurs qui font des promesses vides ou bien qui poussent l’appât du gain jusqu’à vendre à des prix bien trop élevé des biens de première nécessité, comme l’eau par exemple), d’autres fois, elles sont dues à des critères météorologiques (et oui, la pluie, c’est joli mais peu adapté au festival), mais surtout, dans l’immense majorité des cas, elles sont dues à des erreurs humaines qu’elles viennent des organisateurs, des spectateurs ou encore des artistes.


J’espère qu’à l’avenir vous ne manquerez pas de repensez à tout ce que je viens de vous raconter et… qu’ensuite vous irez au plus de festivals et de concerts qu’il vous est possible !

Que rien n’arrête la musique & à bientôt !